• (1972)
• (preludio): Bowie, David - John, I'm only dancing.
• 1979
• Bowie, David - Boys keep swinging.
• Miro - Oh, no dottore!
• 1980
• McCrane, Paul - Is it okay if I call you mine?
• 1981
• Contrazt - Kjære Kristine.
• John, Elton - Elton's song.
• Rough trade - High school confidential
• Shelley, Pete - Homosapien.
• Newton-John, Olivia - Physical.
• 1982
• Jackson, Joe - Real men.
• 1983
• Frankie goes to Hollywood - Relax.
• The Smiths - This charming man.
• 1984
• Bronski Beat - Small town boy.
• Bronski Beat - Why?
• Queen - I want to break free
• 1985
• Almond, Marc & Bronski Beat - I feel love & Johnny remember me.
• The Communards - You are my world.
• Indochine - Troisième sexe.
• Modern rocketry - Homosexuality.
• 1986
•  Almond, Marc - Ruby red.
• The Smiths - There is a light that never goes out.
• 1987
• (Nessun filmato musicale gay rintracciato)
• 1988
• Boy George - No Clause 28.
• Gainsbourg, Serge - Mon légionnaire (1).
• Pet shop boys - Domino dancing.
• 1989
• D'Arby, Terence Trent - Billy don't fall.
• Gainsbourg, Serge - Mon légionnaire (2).
• Loc, Tone - Funky cold Medina.
• 1990
• lang, k. d. - So in love.
• Madonna - Justify my love.
• Madonna - Vogue.
• Nine Inch Nails - Sin.
• O'Connor, Sinead - You do something to me.
• Pet Shop Boys - Being boring.
• Somerville, Jimmy - From this moment on.
• Somerville, Jimmy - Read my lips (enough is enough).
• 1991
• Almond, Marc - Tainted love '91.
• Bruel, Patrick - Place des grands hommes. (On s'était donné rendez-vous dans dix ans).
• Gai, Dario - Sorelle d'Italia.
• Ruggeri, Enrico - Trans.
• Somerville, Jimmy - Run from love.
• 1992
• Erasure - Take a chance on me.
• Madonna - Deeper and deeper.
• Madonna - Erotica.
• Mecano - El fallo positivo.
• 1993
• Dion, Céline - Ziggy (Un garçon pas comme les autres).
• Etheridge, Melissa - Come to my window.
• Liberovici - Pranzo di famiglia.
• Living colour - Bi.
• Tourette, Pussy - French bitch.

Negli anni Settanta David Bowie fu il primo cantante a sperimentare (e all'epoca ci voleva fegato, per farlo) le possibilità promozionali della fama di omosessuale, continuando ad alternare coming out gay e relazioni eterosessuali in un va-e-vieni che deve avere procurato l'ulcera a più di uno dei suoi addetti alle pubbliche relazioni.

Da questo punto di vista merita d'essere qui segnalato, a titolo di premessa alla nostra analisi della presenza lgbt nel videoclip musicale, il filmato promozionale del suo 45 giri "John, I'm only dancing", del 1972.
La canzone - che oggi è totalmente innocua ma che all'epoca provocò crisi isteriche e reazioni censorie - rassicura un amico, John, dicendogli di non preoccuparsi; lei lo eccita, è vero, ma con lei il cantante sta solo ballando, e niente di più:

John, sto solo ballando, lei mi eccita,
ma sto solo ballando.
Lei mi eccita, non mi fraintendere:
sto solo ballando.

Ti ho visto osservare dalle scale; tu sei tutto ciò che è importante per me.
Ehi là, ehi là, tu sei l'unico che ci ha sempre tenuto [a me].
Ehi là, ehi, là, lo sai che ho bisogno di un poco d'amore:
mi sto muovendo, toccami.

Eppure, la mera possibilità d'una chiave di lettura gay suscitò il panico censorio, secondo Wikipedia (sempre preziosa per tutto ciò che riguarda il periodo pre-Internet):

"la canzone fu considerata troppo allarmante dalla Rca americana e segnò il primo vero scontro di David con la censura. Negli Stati Uniti il singolo non fu pubblicato".

La prova del fatto che Bowie non fosse però la vittima innocente di censori troppo maliziosi e che lo scandalo se lo stesse andando a cercare ce la dà questo filmato promozionale della canzone.
Su Wikipedia ci spacciano questo filmato come una sorta di spartiacque tra l'epoca dei filmati promozionali e i videoclip, rifilandocelo come il "primo" vero "videoclip" (cito letteralmente: "Lester Bangs avrebbe identificato "John, I’m only dancing" come "il preciso momento in cui è nata la concezione moderna di video musicale", circa tre anni prima di "Bohemian rhapsody" dei Queen").
A me non sembra proprio, ed è per questo che ne ho fatto una "premessa": si tratta infatti solo della ripresa d'una prova generale di spettacolo teatrale, e non di materiale visivo prodotto o raccolto espressamente per il filmato, come di solito avviene nei videoclip.
Qui stiamo perciò ancora parlando, a mio parere, del filmato promozionale d'un evento, e non d'un vero e proprio "videoclip", come quelli che sarebbero stati prodotti a partire dal 1981 (circa) grazie alla nascita di MTV.

Ciò premesso, va notata la presenza dei ballerini/mimi "androgini" (la ripresa dei cui passi di danza intervalla quella dei primi piani di Bowie e dei suonatori), truccati in modo che non fosse chiaro al primo sguardo quale fosse l'uomo e quale la donna.
Bastò questo a inquietare, anzi, fu proprio questa goccia a far traboccare il vaso, al punto che la BBC bandì (!!!) il filmato di "John, I'm only dancing" dal suo seguitissimo programma "Top of the pops", la hit parade dei successi del momento. Amen.

Fa sorridere pensare che è esistito un tempo in cui perfino un filmatino innocuo e asessuato come questo sia stato giudicato farina del diavolo!
Eppure è da lì che veniamo, ed è importarci ricordare che se il mondo è cambiato, ciò è avvenuto solo attraverso la lotta e alla deliberata volontà di farlo cambiare.
Nella vita, nessuno ti regala mai niente.

[Una nota in margine, sempre come premessa: nel 1975 sarebbe uscito nelle sale Rocky horror picture show, di cui circolano ormai in Rete vari spezzoni, fra i quali quella della  celeberrima canzone "Sweet transvestite".
Non si tratta però di videoclip veri e propri, bensì di spezzoni strappati da un lungometraggio musicale: pertanto non li prenderò in considerazione per la presente analisi cronologica dei videoclip.
Vale la pena, già che siamo, anche di annotare il diverso grado di apertura dei media, inversamente proporzionale alla dimensione del pubblico a cui si rivolgevano: Rocky horror, delirio camp che ha per protagonista un vampiro extraterrestre transessuale che si costruisce in laboratorio un amante muscoloso, nacque infatti per il teatro, e solo in un secondo momento arrivò al cinema, e questo in un anno in cui omosessualità e travestitismo erano ancora tabù per la tv, che non si sarebbe "aperta" ai primi timidissimi clip con tematiche lgbt fino al 1981 almeno].

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Che tenerezza i tempi in cui per essere "trasgressivi" bastava apparire travestito da donna! Eppure nel 1979 le cose stavano proprio così.
Rivisto oggi, questo video del "sulfureo" Bowie sembra quasi una recita di teatro parrocchiale. Eppure, se quanto rivela Wikipedia ha fondamento, il video spaventò la casa di produzione, la Rca, spingendola addirittura a non distribuire in 45 giri questa canzone negli Usa.
Colpa della fama di "sessualmente ambiguo" che Bowie s'era divertito a coltivare, e di versi come "Quando sei un ragazzo / gli altri ragazzi ti tengono d'occhio" che usa un verbo (Other boys check you out) che può essere tradotto anche come "gli altri ragazzi vogliono controllare quanto ce l'hai grosso". Tant'è che questo verso fu censurato, sempre secondo Wikipedia, durante la performance che Bowie fece sul canale televisivo statunitense NBC...

Eppure qui tutto lo scandalo consiste in una boutade innocua: le tre coriste del brano altri non sono che Bowie stesso, uno e trino, intabarrato in improbabili vestiti femminili. Cosa che viene sottolineata da una passerella finale in cui le "coriste" si tolgono la parrucca e puliscono il rossetto, giusto nel caso che gli spettatori di allora fossero davvero così tonti da non arrivarci da soli.

Questo non è un vero e proprio videoclip, nel senso in cui l'intendiamo oggi, o per essere più precisi pur essendo quasi un videoclip il suo linguaggio filmico appartiene ancora visibilmente al genere che ha dato vita ai clip: i filmati promozionali, intesi come supporto televisivo al lancio d'una canzone, in un'epoca in cui era ancora la canzone ad essere al centro dell'attenzione dei produttori.
Erano supporti estremamente costosi, e quindi solo gli artisti più celebri (e Bowie era fra loro) potevano permetterseli. Questo spiega la posizione di "precursore isolato" che Bowie riveste in questa mia piccola rassegna storica.

Riguardando oggi questo filmato, da un lato si sorride alla sua ingenuità, e dall'altro si capisce perché l'emergere del tema lgbt nei videoclip abbia richiesto tanti anni, essendo prima necessario che una generazione di spettatori (e di censori!), capace di scandalizzarsi perfino davanti a un Bowie con la parrucca in testa, riuscisse a digerire qualcosa di più sostanzioso.

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1979 - Miro  - "Oh, no dottore!" - Dall'Lp: Ambiguità.

Visto il successo mietuto con l'"ambiguità" da David Bowie e dal suo clone "de noantri", Renato Zero, Miro cercò d'acchiappare l'onda con un album intitolato, guarda tu il caso, Ambiguità. Ora, il 1979 fu un anno in cui la tematica gay nelle canzonette italiane letteralmente esplose, dopo decenni di censura. Il problema per Miro fu che la Tv non era minimamente pronta a seguire l'apertura del mercato musicale, come conferma il fatto che ci volle ancora un quarto di secolo prima che in Italia nei clip iniziasse a scemare l'autocensura sulle tematiche omosessuali.

Questa canzone presenta le reazioni d'un paziente a un medico (psicoanalista?) che gli ha fatto proposte sessuali, per le quali il paziente gli dà del "malato". Ma allora come mai come il dottore a cui il cantante si rivolge, al maschile, in questo filmato è una donna, che prende appunti accavallando le gambe coperte da calze a rete?
Semplice, la Tv italiana, all'epoca, non aveva nessuna paura del ridicolo. La tematica omosessuale non poteva essere rappresentata, punto e basta. E quindi ecco il dottore diventare una dottoressa.
Domanda: che senso commerciale ha fare un Lp intitolato Ambiguità se poi lo si deve commercializzare sbarazzandosi delle ambiguità? E infatti Miro non sfondò, a differenza di Renato Zero, maestro nel giocare sul filo del rasoio.

Il video in sé è immeritevole di memoria, tirato com'è al risparmio e senza idee, tuttavia come documento storico e di costume è davvero significativo.

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Questo non è un vero videoclip, e ciò spiega anche la data straordinariamente precoce (MTV, la culla del fenomeno del video musicale, sarebbe stata fondata solo nel 1981).
Circola su Youtube come brano a sé, ma è in realtà soltanto un estratto dal film Saranno famosi, dove uno dei personaggi (quello gay), interpretato da Paul McCrane, si rifugia nella sua stanza per sfogare il sentimento d'amore impossibile verso un compagno di scuola eterosessuale. Per lui canta questa canzone ("Va bene per te, se ti chiamo "mio"?").

Si tratta d'un brano estremamente tenero e delicato, eseguito con voce e chitarra, ed è totalmente al di fuori degli stereotipi che all'epoca prevalevano ancora nel cinema quando si parlava d'amore omosessuale (ivi compreso il film Saranno famosi). Non essendo né svenevole e maledetto né trasgressivo e provocatorio, contribuì a modo suo ad aprire una nuova strada nel modo di trattare l'omosessualità sul grande schermo.

Un aspetto divertente di questa canzone (che negli anni ha avuto moltissime covers) è che fu scritta in origine dallo stesso McCrane per la sua ragazza, e inserita nel film mutando il sesso della persona a cui era destinata.

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1981 - John, Elton - "Elton's song". Dall'Lp: The fox.

Fra i vari tipi di videoclip esistenti, di sicuro questo appartiene al tipo più strano: i videoclip "fantasma".
Il filmato non venne infatti mai trasmesso in Tv al tempo in cui la canzone che illustra (incisa nel 1979) uscì, nel lontano e pionieristico (per l'arte del videoclip) 1981. Ebbe circolazione solo come allegato all'album del cantante, e sicuramente non contribuì a smorzare con l'impatto delle sue immagini le polemiche e le censure che colpirono la canzone.

Un video troppo audace, troppo esplicito, troppo sfacciato per la Tv. E soprattutto, troppo "pericoloso", provenendo da un cantante che aveva fatto mezzo coming out (dicendosi prudentemente solo "bisessuale") addirittura nel 1976. (Oggi Elton John ha fatto l'altro mezzo passo, dichiarandosi gay, ed è felicemente sposato col suo compagno).

Guardando il clip si capisce insomma il motivo per cui c'è stato bisogno d'un movimento di liberazione gay per far cambiare la società: giudicato troppo "forte" allora, oggi sembra un video educativo per la terza media.
Definirlo "casto" è un eufemismo. Non vi succede nulla di più audace di uno sguardo (non ricambiato), non vi si vede nulla di più sexy d'un adolescente che fa ginnastica in  calzoncini. E però... Però parla dell'innamoramento platonico da parte d'un ragazzino per un compagno di scuola un po' più adulto, nonché atletico (e già munito di ragazza). E questo per l'epoca era già troppo.
Meno male che il movimento gay è esistito!

Il testo della canzone (scritto da Tom Robinson, autore nel 1976 dell'inno "Glad to be gay") è, per l'epoca, decisamente coraggioso ed esplicito, ma senza strafare.
Il cantante, nella persona d'uno studente, si rivolge a un "tu" che frequenta la stessa scuola (e che a un certo punto è descritto mentre gioca a biliardo, il che permette di identificarlo come un maschio), raccontando come sia costretto a vivere da lontano un amore impossibile e che la società non è in grado di capire:

Pensano io sia matto, dicono che non è una cosa reale
ma io so quel che provo, e ti amo.

Pensano io sia matto, ma darei la vita
per una sola notte al tuo fianco.

Osservo tutto solo la tua grazia e il tuo stile:
tagliami fino all'osso con il tuo sorriso affilato!
Ti ho osservato mentre giocavi a biliardo,
e tutta la scuola sa che io ti amo.

Amo i tuoi capelli da zingaro e i tuoi occhi mori,
sono sempre impreparato alle tue risposte pungenti,
ciniche e scarne.
Sto disteso, sveglio, e sogno te.

.

Il filmato illustra con una certa fedeltà i concetti del testo, ma non lo fa nel modo pedissequo abbastanza comune nei videoclip delle origini, ovvero illustrando ogni frase cantata (se il cantante nominava gli occhi, si mostrava un primo piano degli occhi, e così via).
Piuttosto, le immagini di vita scolastica del college inglese scorrono per conto loro sotto la canzone, mostrando piccoli episodi, che poi consistono fondamentalmente nel ragazzino che spia di nascosto il ragazzone, o che si macera nella sua solitudine a pensare e sognare. E a vergognarsi per le prese in giro dei compagni.
Ma al principio e nel finale (a canzone non ancora iniziata e già conclusa) si vede il ragazzone che regge con visibile sconcerto un foglio di carta, suggerendoci così che la canzone stessa possa essere una lettera d'amore inviata alla persona amata al momento di partire dal college (la parte cantata del filmato inizia e finisce con un'inquadratura del ragazzino che aspetta il treno in stazione, e le ombre e luci che corrono sul volto del ragazzone suggeriscono che stia davanti a un treno che si muove).

A mio parere John con questo video arrivò al limite massimo consentito all'epoca: per la scelta del tema (doppiamente scottante in un periodo, quello precedente il 1998, in cui nel Regno Unito ai ragazzi erano proibiti per legge i rapporti omosessuali fino ai 21 anni), per la scelta del paroliere (gay dichiarato e militante), e per il titolo beffardamente ambiguo ("La canzone di Elton" -- in origine usato da Robinson solo per distinguere il pezzo in lavorazione per John da quelli commissionati da altri cantanti) che si prestava ad essere letto come un orgoglioso "La canzone della storia di Elton John".

Se non vi spiace, per una volta, ascoltare una canzone un poco malinconica, questo video merita l'attenzione: magari è un po' datato per il contesto di cui parla, però di per sé nulla ha perso della sua freschezza: gli amori impossibili infatti esisteranno sempre, oggi come ieri.
La musica è bella, il tema è trattato in modo delicato e sensibile... e forse una storia del genere, prima o poi, è a capitata a tutti noi.

Consigliato.

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1981 - Rough trade - "High school confidential". Dall'Lp: Avoid Freud.

"High school confidential" (che "ruba" il titolo di un film del 1958, che potrebbe essere tradotto liberamente come "Segreti di una scuola media superiore") fu una delle prime canzoni dirette al pubblico generale a introdurre la tematica lesbica con un linguaggio assolutamente diretto ("mi fa bagnare nei jeans / quando cammina verso di me").
Ciò nonostante, la sua trasposizione in immagini, nel videoclip qui recensito, è timida, volutamente ambigua e sostanzialmente inconcludente..

La cosa è comprensibile pensando al fatto che la canzone stessa ebbe problemi a "passare" in radio e fu anche censurata, quindi figuriamoci l'accoglienza che (non) avrebbe avuto nella Tv di allora un video che fosse stato altrettanto esplicito nelle immagini quanto lo era stata la canzone nelle parole:

Mi dà la scossa al corpo
quando cammina nel corridoio
si sentono ticchettare i suoi tacchi a spillo;
la desidero tanto che mi sento male.
(...)
Se non l'avrò presto, mi verrà un infarto,
quando mi scocca uno sguardo vorrei bruciare i miei libri
e mollare la scuola.
   

Le parole non specificano mai esplicitamente il sesso della persona che parla, in modo che possano essere lette come un discorso [della cantante] Pope da un'ottica maschile, o come un riferimento al lesbismo.
In un'intervista del 2000 (...) Pope confermò che sebbene lei interpretasse le parole a partire dalla sua esperienza personale di donna lesbica, l'ambiguità era intenzionale. "Il pubblico generale non comprendeva che io ero gay - se eri gay lo comprendevi - e quando scrivevo canzoni d'amore, volevo che fossero comunque interpretate.
Il punto è che a me piacciono davvero, davvero molto gli uomini (gli uomini etero sono molto sexy fino a quando non "ci provano") e penso che questo traspaia dalle mie canzoni. Il Rock 'n' roll tratta di desiderio e passione, ed io canto per entrambi i sessi".

Con questi limiti, il video ha oggi un valore soltanto storico, non avendo ormai più nulla da raccontare a noi del XXI secolo.

Al contrario la canzone, con un accattivante motivetto rock-and-roll, ha vissuto di vita propria anche negli anni successivi, al punto da meritare nel 1995 una cover da parte della cantante Peaches, una risposta della band canadese "Lesbians on ecstasy" (che nel 2004 nella canzone "The pleasure principal" immagina che il preside convochi Pope per discutere della sua ossessione per la compagna), e infine una riscrittura da parte della stessa Carol Pope, in chiave maschile (gay), per la colonna sonora della prima serie della serie tv Queer as folk, nel 2000.
 
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Questa follia visiva camp è uno dei primissimi videoclip, e forse addirittura il primo, ad aver affrontato il tema omosessuale.
Se guardate su Youtube ne trovate anche varie versioni alternative e cover.

Di questa canzone Wikipedia spiega che "fu bandita dalla BBC per "riferimenti espliciti al sesso gay"; il che non le impedì di ottenere uno straordinario successo nelle discoteche d'Europa e Nord America. In questo periodo, Pete Shelley parlò apertamente della sua bisessualità" (all'epoca non esisteva ancora il "queer", quindi se si voleva fare mezzo coming out soltanto si ricorreva alla "bisessualità": il che significava ammettere che si amavano sia gli uomini, sia i maschi).

Il titolo inglese è proprio come l'ho scritto, "Homosapien", senza la "s" finale. E a chi parla inglese la parola "homo" richiama immediatamente più il concetto di "homo/sexual" che quello di "uomo". Shelley gioca su questo fatto, e lo slittamento dalla classificazione biologica a quello sessuale è immediato:

"Io e lei, signore / siamo entrambi homo sapiens. / Homo superior / dentro di me [ma anche: "nel mio appartamento"] / ma dalla pelle in su / anch'io sono Homo sapiens"
(...)
"Ed io spero e prego solo che il giorno del nostro amore sia a portata di mano.
Lei ed io, io e lei, saremo due in uno, comprende?
E il mondo è talmente sbagliato che io spero che noi saremo forti abbastanza,
perché noi siamo soli e la sola cosa nota è il nostro amore.
Non voglio classificarla come un animale nello zoo,
ma mi pare buono sapere che è un homo sapiens anche lei".

Insomma, questo video cercò di far finta d'essere il commento visivo d'una canzone d'antropologia culturale o magari paleontologia, ma ovviamente non ci credettero né gli autori, né tanto meno i censori della radio-tv britannica...

Riscoprirlo adesso, con la sua ingenuità da un lato, e il suo testo molto coraggioso (un vero inno alla solidarietà fra gay), fa oggi un certo effetto.
E a me è piaciuto.

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Nel 1981 l'arte del videoclip stava ancora muovendo solo i primi passi, e gli uffici Promozione delle case discografiche le riservavano budgets limitati. Visto con gli occhi di oggi, quindi, apparirà un po' tirato al risparmio questo video (nonostante abbia vinto un "Grammy award" nel 1983), che dopotutto era destinato a promuovere la canzone "Physical", che nel 1981 fu per settimane al numero uno delle classifiche di tutto il mondo, sparata in modo asfissiante e incessante da tutte le radio e da tutti i juke-box...

Eppure così è: gli autori dei videoclip dell'epoca dovevano ovviare alla limitatezza del budget con tentativi d'attirare l'attenzione con colpi di scena più o meno riusciti e se possibile scandalosi, ma senza entrare in urto con le regole della censura (all'epoca molto meno liberali d'oggi in fatto di nudità e allusioni sessuali: questa stessa canzone fu bandita dalle radio di diversi Paesi per il suo testo troppo "sessualmente esplicito"!).

E così in questo "Physical" il video sceglie di giocare sul doppio senso della parola del titolo, mostrando la procace cantante mentre sculetta e sorride in una palestra, dove apparentemente insegna educazione... fisica a una classe di signori decisamente sovrappeso.
In realtà le parole della canzone (che non hanno alcuno rapporto col tema omosessuale) invitano semplicemente l'uomo concupito a piantarla con il corteggiamento e gli inviti al ristorante, e di metterla una buona volta sul piano fisico, liberando gli istinti animali e lasciando parlare i corpi...

Implicitamente, il video dà una risposta ai motivi dei problemi della cantante: cambiata stanza e trovatasi in mezzo a un gruppo di giovani e guizzanti culturisti per cercare qualcuno con cui giocare a tennis, Ms Olivia si vede prima snobbare da tutti, e poi subisce addirittura lo scorno di vedere i bei maschioni uscire mano nella mano a due a due.
Alla fine, solo uno dei suoi disprezzati allievi "grassoni" sarà provvidenzialmente disposto a ridarle il sorriso, giocando con lei.
.

La boutade visiva finale del video, se da un lato costituisce una delle primissime apparizioni del tema gay nei videoclip, dall'altro non si addentra eccessivamente nei terreni dell'inesplorato, in quanto il luogo comune secondo cui "tutti i culturisti sso' ffroci" era sufficientemente diffuso all'epoca da poter essere considerato addirittura una leggenda urbana.
Senza contare la soddisfazione d'uno spettatore "diversamente bello", che poteva dirsi tutto tronfio: "Quelli saranno anche più fisicati di me, però almeno io sono normale e quindi le donne sbagliano a preferire loro a me". (Un'interpretazione del video che ho visto circolare in Rete dice addirittura la cantante non ha cambiato stanza, bensì epoca: ha solo rivisto i suoi allievi una volta smagriti e tonificati dalle sue cure. Ma diventati belli, diventano tutti gay... Agghiacciante).

Ma questo è un altro discorso.
A questo video resta comunque l'onore di contenere una delle primissime menzioni in assoluto dell'esistenza dei gay, nella nascente arte del videoclip.

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Joe Jackson è stato uno dei grandi autori sottovalutati degli anni Ottanta. Nonostante abbia avuto per un breve periodo un buon successo commerciale, non è mai assurdo al ruolo di stardom al quale la raffinatezza e l'eleganza delle sue canzoni lo candidava naturalmente.

Non credo che ciò sia dovuto al fatto che fosse gay dichiarato (anzi, "fag", come si autodefinisce nella canzone "Don't wanna be like that"), dato che come ne La lettera scarlatta il miglior modo per mantenere un segreto nella vita è esibirlo, tant'è che molti suoi fans ignorano tuttora il fatto cha abbia fatto coming out ere geologiche fa. Credo che si sia trattato piuttosto di sfortuna, occasioni mancate, coincidenze avverse, dato che nella conquista del successo spesso più che il talento conta il caso, il fatto d'essere stato al momento giusto nel posto giusto (o essere andato al letto col produttore giusto). E poi ahimè conta molto il fisico (Jackson era bravo ma bruttino), come Jackson stesso lamenta in una canzone, scritta contro i "pretty boys" dai denti perfetti e i sorrisi smaglianti... e che non sanno cantare.

Questa canzone, "Real men" ("Veri uomini"), è un buon esempio del suo lavoro artistico. Si tratta d'una riflessione sul cambiamento dei ruoli maschile/femminile fatta da un'ottica gay e con il buon senso dell'umorismo, che investe tanto la realtà etero quanto quella gay (dell'epoca pre-Aids), quest'ultima affettuosamente beffeggiata per i suoi rigidi codici di vestiario e comportamento:

"Guarda i ragazzi carini che ballano a coppie
orecchini d'oro e abbronzature dorate,
colpi di vento nei capelli.
Ovviamente sono etero, etero al 100%:
i gay sono macho:
non vedi il loro cuoio che luccica?

Non vuoi apparire stupido, non vuoi offendere
allora non chiamarmi frocio
a meno che tu sia un amico.
E poi se sei alto e bello e forte
puoi metterti l'uniforme ed io ci giocherò un po'".

La musica è giocata in buona parte sul pianoforte e la voce, con pochissimo accompagnamento ulteriore, con un risultato molto pulito, raffinato, lineare, e decisamente gradevole.

Questa è la canzone.
Poi c'è il discorso del video.

Chi lo ha creato, credo si sia preso un infarto, trovandosi di fronte a un testo tanto sfacciato ed esplicito in un'epoca in cui il cinema aveva ancora fortissime remore a mostrare in immagni le persone omosessuali. E non era, si badi bene, solo questione di preconcetti personali, bensì di vere e proprie censure: la menzione dell'omosessualità rischiava concretamente di far mettere al bando una canzone dalla radio o un filmato dalla tv. Bisognava quindi fare attenzione a non tendere troppo la corda, perché il danno sarebbe stato economico.

La soluzione del regista è stata da un lato limitarsi a un unico cenno di passata all'omosessualità (due adolescenti si corteggiano, appoggiati a un muro, nel momento in cui il cantante parla esplicitamente dei "froci"), dall'altro alternare spesso riprese di Jackson mentre suona il pianoforte e canta, e per finire, inventare una delirante ed assurda storiellina parallela, con un bel giovanotto automunito che corteggia una sana all-American girl, che a quanto pare non gliela vuole dare. Allora un giorno, esasperato, prende la rincorsa con la macchina e si getta in un burrone e muore. Non chiedetemi perché l'astinenza da passera debba causare ipso facto il suicidio: il video non l'ho fatto io (e quel tipo di astinenza non mi scuce neanche un baffo...). A me pare solo che la soluzione escogitata sia semplicemente cretina.

Ciononostante è comunque curioso, e significativo, il breve istante in cui il ragazzo osserva (con atteggiamento fra l'ostile e l'invidioso) i due adolescenti gay che si corteggiano con naturalezza, dimentichi del resto del mondo, mentre la sua ragazza gli nega, scorbutica, anche un semplice bacetto.

Per finire, la bellezza della canzone le ha meritato una cover da parte di Tori Amos, e una da parte dei Pansy Division.

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"Relax" può essere definito simbolicamente il video con cui iniziò l'attacco alla censura praticata dalle tv contro la tematica omosessuale nei videoclip.
Un po' era giocoforza farlo, dato che le parole dicono: "Rilàssati / non fare così / quando vuoi arrivarci. / Rilassati / non fare così / quando vuoi venire". E non c'è chi non veda che qui si sta parlando, dichiaratamente, d'un rapporto orale. Con un tema così, non sfidare le censure era impossibile...

Si noti che il cantante del gruppo, Holly Johnson, fu molto più sveglio e rapido nel fare coming out di quanto non lo siano stati i suoi tentennanti colleghi "velati" dell'epoca, da Boy George a Freddie Mercury a Morissey a Marc Almond a Neil Tennant -- per non parlare dei Village people, che non lo fecero mai. (E quando nel 1993 si scoprì sieropositivo, discusse anche di questa sua condizione).
Anzi, con Paul Rutherford i componenti gay dichiarati della band erano ben due.

Messa così, non possono esserci dubbi sul fatto che fosse del tutto intenzionale il doppio senso omosessuale di versi della canzone quali:

"Sparalo nella direzione giusta
(...)
devi colpire me
colpiscimi
colpiscimi con quei raggi laser".

Ciò premesso, mi correggo: mostrare nel video l'omosessualità non era proprio proprio giocoforza, come dimostra il fatto che per questa canzone fu approntata una seconda versione del videoclip, priva d'eccessi (e tirata via al risparmio), nonché totalmente eterosessuale.
Quindi se l'argomento fu evocato, fu perché si volle deliberatamente farlo.
Insomma, col senno di poi è fin troppo facile dire che, visto il tema della canzone, la messa al bando del video fu cercata espressamente (e infallibilmente ottenuta) come strategia pubblicitaria. Peraltro di successo, visto che dopo un attimo dalla messa al bando non si parlava d'altro e tutti bramavano (invano) di vedere il video proibito (Internet non c'era ancora). La stessa campagna pubblicitaria cercava lo scandalo con frasi come: "I Frankie Goes to Hollywood stanno per venire. Si faranno leccare gli stivali dai Duran Duran. 19 pollici" [cioè 33 giri, NdR] "da prendere tutti, fino in fondo".
 

L'aspetto con cui viene presentata la realtà gay è quella della sottocultura clone (leather) delle metropoli Usa dell'epoca.
(Una sottocultura, peraltro, che senza che nessuno lo immaginasse stava per essere completamente spazzata via dall'Aids, di cui s'era già sentito qualche tuono e fulmine, ma non ancora il tornado in tutta la sua forza, dato che ci avrebbe messo ancora un paio d'anni ad esplodere).

In secondo luogo il locale gay qui è presentato attraverso occhi e mentalità completamente eterosessuali, come una specie di riproposizione musicale della Cena di Trimalcione del Satyricon di Fellini (i richiami sono evidenti: c'è perfino un incongruo ciccione in portantina con tanto di toga romana, che da un matroneo ordina di torturare questo o quel cliente. Ricorda molto gli imperatori romani cattivi e capricciosi dei film peplum degli anni Sessanta).

La situazione in cui si trova Johnson, prescelto dal ciccione per essere dato in pasto a un tigrotto, che invece riuscirà ad ammansire, è più degna della favola di Barbablù o di Pollicino che d'una vicenda del 1983, e il locale somiglia più a un antro della strega che a un bar gay. La paglia per terra fa pensare più ad un circo che ad un locale, e la presenza d'animali conferma il richiamo alle arene dei circhi o agli zoo.
Palesemente, qui è stata lasciata via libera alle fantasie etero più morbose a proposito di quanto si svolgeva dietro le porte dei postacci per uominisessuali. Il risultato è grottesco, ed anzi a tratti ripugnante: ben lontano dalla celebrazione gioiosa e senza complessi della sessualità, su cui si basava la sottocultura gay di quegli anni!

Il locale è un casino in tutti i sensi, con gente che si agita senza costrutto, con un mezzo travestito che lecca una banana non sbucciata (che oplà, finirà un mano a Johnson), vergini di Norimberga, gabbie, e per finire l'allusione alla "pioggia dorata" nella scena conclusiva, in cui getti di liquido cadono dall'alto addosso a Holly Johnson e Paul Rutherford. Sinceramente, per garantire matematicamente il bando dalle tv, a questo video mancava solo che uccidessero e mangiassero crudo un bambino.

Insomma, nonostante questo video abbia contribuito a rompere tabù (e questo giustifica in parte l'entusiasmo con cui fu accolto all'epoca), qui non c'è una vera celebrazione sbarazzina del sesso come nella canzone, qui non c'è gioia: l'atmosfera è cupa, e letteralmente mortifera.
Prefigurazione dell'Aids? Può darsi. Ma di certo anche tanto moralismo eterosessuale su quel che si pensava fosse il mondo gay, trasformato in immagini.

La canzone "Relax" ebbe uno straordinario successo di vendite, e la curiosità che il video attrasse riuscendo a non farsi trasmettere in tv iniziò ad instillare nelle tv stesse il sospetto che una parte del pubblico i video un po' "audaci" in realtà li volesse vedere.
Ma la liberalizzazione sul tema proseguì a passo di lumaca ancora per qualche anno. Tant'è vero che le prime canzoni esplicitamente gay che riuscirono a diventare video negli anni seguenti, non riuscirono ancora per un po' a bucare la cappa del conformismo.

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Con questa canzone siamo ancora relativamente alle origini del fenomeno del videoclip, che non era ancora diventato pienamente una forma d'arte a sé.

Anche questo video degli Smiths è quindi poco più d'una esecuzione del pezzo davanti a una telecamera, con giusto qualche accessorio per abbellire le immagini (un pavimento cosparso di mazzi di fiori), ma nulla più.
In questo caso abbiamo un giovane Morissey, che sul petto seminudo ostenta un collier da far invidia a una regina, che canta le parole di "Questo uomo affascinante" mentre agita e rotea un mazzo di fiori.

Nonostante il tono relativamente esplicito delle parole (gli Smiths furono fra i primi ad inserire tematiche omosessuali nelle loro canzoni, sia pure con continui, esasperanti distinguo e ritirate strategiche), l'immagine dell'amore omosessuale non riesce ancora a far capolino in questo clip: la trasgressività del messaggio è quindi ancora affidata interamente alle parole. Però chi ha vissuto in quegli anni ricorderà come già questo "poco" fosse in realtà molto per l'epoca, nonché audace.

Quanto alla canzone, si tratta d'una delicata storia di coming out.
La simbolica foratura della gomma d'una bicicletta obbliga a cercare il passaggio d'un automobilista:

"in questa macchina affascinante
quest'uomo affascinante...".

"Uscirei questa sera
ma non ho niente da mettermi.
E quest'uomo m'ha detto: "È crudele
che uno tanto bello se ne debba preoccupare".
Quest'uomo affascinante...".

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L'arrivo di questa eccellente canzone da discoteca fu una specie di fulmine a ciel sereno. Grazie al suo motivetto accattivante e alla straordinaria voce in falsetto di Jimmi Somerville, scalò la vetta delle classifiche di tutto il mondo, nonostante il testo fosse l'esatto opposto del disimpegnato: parla infatti d'un "ragazzo di paese" che abbandona casa e paese a causa della sua omosessualità.

E d'omosessualità non si parla qui certo per via d'allusioni, dato che il logo del gruppo, sulla copertina del "singolo" che conteneva questo brano, era inquadrato in un triangolo rosa, all'epoca simbolo principale delle lotte del movimento gay.

Il testo era imperniato sulla maggior forza della discriminazione antiomosessuale nelle realtà di provincia, causa dell'esodo che ha creato comunità glbt in tutte le grandi città dell'Occidente:

"Tua madre non capirà mai
perché hai dovuto andartene
ma le risposte che cerchi
non le troverai mai a casa.
L'amore che cerchi
non lo troverai mai a casa".

Dimostrarono inoltre che non era il pubblico a rifiutare canzoni "impegnate", bensì il sistema di produzione musicale, che non voleva mettere in discussione i propri pregiudizi. La favola secondo cui "se parli di gay non vendi", fu smentita una buona volta proprio dal successo mondiale di questo gruppo, dichiaratamente, militantemente, sfacciatamente gay. E con canzoni dichiaratamente, militantemente, sfacciatamente gay.

I ragazzi eterosessuali ballavano divertiti senza far gran caso alle parole questi motivetti molto orecchiabili, ma per i "ragazzini della provincia" quello dei Bronski Beat fu il primo messaggio di liberazione che proveniva dai grandi canali generalisti, che in quel periodo erano, all'estero, ancora ostili e censorii alla tematica della liberazione gay quanto lo sono oggi in Italia. Per molti, queste canzoni equivalsero a un angelo che scendeva dal cielo con una tromba a proclamare: "Sveglia!"

Purtroppo però il "sistema di produzione musicale" non gradì molto il fatto d'essere messo a nudo in questo modo. Per questo, tutti i video di questo gruppo musicale (e dei suoi componenti, dopo il precoce scioglimento) furono penalizzati da una demenziale volontà di "alleggerire" il messaggio politico dei testi con immagini talmente innocue da sfiorare a tratti l'infantilismo, come in "Why?".

A questo amaro destino sfugge solo il presente "Smalltown boy", forse per il fatto che falsificare proprio la canzone che aveva lanciato a livello mondiale il gruppo era difficile. Fatto sta che il messaggio del testo in questo videoclip traspare in modo chiaro, anche se dobbiamo sempre ricordare che quel che oggi è magari materiale da educande, all'epoca era percepito come fortemente tabù. Pertanto, alludere sottilmente piuttosto che mostrare apertamente fu una strategia in parte dettata da viltà e omofobia, ma in parte anche dalla prudenza, per evitare che il video fosse messo al bando dalle tv.

In questo clip, alle immagini di Jimmy Somerville che se ne va via su un treno s'alternano flash sulla precedente vita in provincia.
La mamma e il papà - famiglia poco affettuosa (ah! sarà per questo che il bimbo è venuto fuori frocio...).
Gli amici gay del posto (gli altri due componenti del complesso), assieme ai quali il cantante va in piscina a lumare i ragazzotti indigeni che si tuffano. Uno di loro gli sorride, e lui fraintende il significato del gesto: lo va a cercare negli spogliatoi, ma lo sguardo schifato dell'altro lo gela.
E ne ha di che: il bellimbusto gli tenderà un'imboscata, assieme ai suoi amici, che lo picchieranno.

Un poliziotto riporta la vittima a casa dai suoi e, come sempre in questi casi, la vittima della violenza omofobica si trasforma in imputato: tempesta in famiglia, e quindi decisione di andarsene.
La mamma è affranta, il papà si vergogna, ma alla fine pur facendo la faccia da burbero gli sgancia un po' di soldi per aiutarlo.
E poi via, verso la città. Dove Jimmy re-incontrerà i suoi due amici.

Come si vede, la trama è elementare, ma questo non è un male, perché l'aderenza quasi didascalica alle parole evita di far violenza a una canzone, come questa, felicemente  riuscita. Per una volta, il video non impone il proprio messaggio al quello della musica.

A dispetto degli anni passati, insomma, il video non ha ancora perso la sua freschezza, nonostante la timidezza estrema con cui è trattato il tema gay oggi appaia un po' anacronistica. Ma la musica sprizza ancora scintille, e insomma, vale ancora la pena di essere visto, e consigliato agli amici.

Tra le molte covers e citazioni di questa celebre canzone, ho trovato particolarmente riuscita quella, per coro, dei Nylons (dal CD Run for cover, 1996).
A testimonianza del perdurare dello status di icona conquistato da questo brano, inoltre, nel 2002 il cantante gay tedesco Manuel Sanchez ha intitolato un suo Cd, Good news for a smalltown boy ("Buone notizie per un ragazzo di provincia"), ed il riff della canzone è stato riutilizzato nel 2004 nella canzone "Please" dei Dare 2B diff'rnt e ancora, nel 2010,  la base musicale è stata usata dagli italiani Monkey Mono per il loro video anch'esso intitolato "Smalltown boy".

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È molto curioso notare come i Bronski Beat, il gruppo che fece letteralmente esplodere la tematica gay nelle discoteche di tutto il mondo nel 1984 con l'LP The age of consent, abbiano sempre proceduto di pari passo con testi scandalosamente espliciti, e videoclips che han fatto sforzi ridicoli, fino all'assurdo, per non mostrare mai nulla d'omosessuale.

La scelta fu tanto sistematica che non è difficile immaginare che il gruppo abbia avuto problemi con la casa discografica, probabilmente terrorizzata dall'idea d'avventurarsi sul terreno della rappresentazione per immagini dell'omosessualità, dopo essersi spinta fin troppo "oltre" sul terreno dei testi.
A quell'epoca, in effetti, "cinema gay" era sinonimo di  "pornografia", perché la pura e semplice rappresentazione degli omosessuali era considrata "oscena" da gran parte della società.

A questa regola non sfugge questo videoclip.
La canzone tratta il tema della violenza omofobica, e lo fa senza mezzi termini:

"Disprezzo nei tuoi occhi
quando mi giro a baciare le labbra di lui.
Spezzato io giaccio
negàtimi tutti i miei desideri
sangue sul tuo pugno.
Puoi dirmi perché?".

Mai tentativo di "parlar d'altro", per evitare di parlare dei diritti gay ("you and me together, fighting for our love" - "Tu ed io assieme, lottando per il nostro amore"), fu più smaccato, e soprattutto ridicolo.
Specie perché applicato a un gruppo che aveva composto un intero LP di canzoni che rivendicavano i diritti gay, perfino nel titolo (L'età del consenso) che alludeva alla battaglia dei gay britannici (poi vinta) per abbassare l'età del consenso per gli atti omosessuali alla stessa età richiesta per gli atti eterosessuali...

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La vicenda di questo video è, io credo, l'esempio migliore di quanto fosse difficile e spesso ipocrita negli anni Ottanta il rapporto fra tematica gay e mondo dell'industria musicale.

L'omosessualità del cantante dei Queen, Freddie Mercury, era uno dei segreti meglio preservati e pertanto più noti a livello mondiale. Anche perché Mercury frequentava imperterrito la scena gay, e solo una capacità d'autoinganno seconda solo al suo ego riusciva a convincerlo che fosse possibile essere celebri, e al tempo stesso frequentare certi postacci in incognito.
Il tema gay fu però sempre, fino alla morte di Mercury, totalmente tabù, per ragioni sia di marketing, sia di difficoltà personale (immagino che essere un parsi indiano nato a Zanzibar non costituisse la condizione socio-culturale migliore per prendere in considerazione un coming out).

Per una qualche ragione, in questo video i Queen decisero d'afferrare il toro per le corna, però senza rischiare troppo, prendendosi gioco delle voci ed aprendo il filmato con una scena in cui tutti e quattro erano travestiti da donna (Mercury senza tagliarsi i suoi celebri baffi). Questo succede nonostante le parole della canzone non facciano la minima allusione alla tematica gay.

Il travestimento era in realtà, come spiega la versione inglese di Wikipedia (luglio 2010), una parodia dei personaggi di una telenovela inglese di successo, Coronation street, ma ovviamente quest'allusione non fu colta al di fuori del suolo britannico.

Quest'ambientazione non era comunque la sola del clip: in un'altra scena fu usato addirittura il Royal Ballet (per una fantasia su Nijinskij, la cui omosessualità è celeberrima, ma ciò passò inosservato), in un'altra ancora appare un'ambientazione in miniera che ricorda molto da vicino Metropolis, il film muto del 1927 alla cui colonna sonora realizzata da Giorgio Moroder in quello stesso 1984 Freddie Mercury collaborò.
Le reazioni alla sola sezione in cui i Queen apparivano vestiti da donna (si noti, in modo palesemente goliardico e non sessuale: era travestimento, non travestitismo) furono esplosive. Mtv Usa (la più importante Mtv al mondo) mise addirittura al bando il video fino al 1991, proprio a causa di questa scena. Inoltre il brano non entrò mai ai vertici delle classifiche Usa, come era ormai abitudine per i Queen, e nessun altro loro brano ci sarebbe più riuscito per altri otto anni!

Questo disastro delle pubbliche relazioni fu possibile perché i Queen probabilmente sottovalutarono quanto ormai la notizia dell'omosessualità di Mercury fosse universalmente diffusa, cosicché il video, anziché risultare una blanda pernacchia ai pettegolezzi in materia, fu interpretato sia da fans che da detrattori come il tanto atteso - o tanto temuto - coming out, che invece Mercury non realizzò mai fino alla fine dei suoi giorni.
Si dice che Mercury, divinamente offeso, avesse per ritorsione (!) giurato in quest'occasione di non realizzare mai più concerti negli Usa, ma la colpa del disastro fu in parte sua, dato che recitò la sua parte con una tale carica camp civettuola che solo un cieco (per esempio, lui stesso) avrebbe potuto evitare di notare che quello che canta non è un semplice tizio con vestiti buffi, ma una vera e propria drag... Queen.
In parole povere, il pubblico dimostrò maggiore intelligenza di coloro che realizzarono il video, che non avevano compreso che i tempi erano cambiati, e che trattarono un tema ormai esplosivo come se fosse un argomento su cui era ancora possibile sbrigarsela con barzellette da bar o teatrini da oratorio.

Secondo Wikipedia italiana (a cui non posso fare a meno di ricorrere perché le polemiche di quegli anni - su carta, o a voce - sono oggi in massima parte inaccessibili in Rete), a Rio de Janiero la riproposizione del travestimento del video fu addirittura accolto con un bombardamento d'oggetti contro il palco, che durò fin quando Mercury si tolse infine gli abiti femminili.
Wikipedia non riconosce le vere ragioni (omofobiche) dell'episodio, spiegandolo risibilmente col fatto che la canzone era diventata un inno alla libertà per i latinoamericani, mentre

"il gruppo non era a conoscenza dell'importanza di questa canzone per il popolo Sud Americano, che aveva preso il gesto di Mercury (involontario) come una presa in giro".

Insomma, la vicenda dimostrò che il tema gay andava ormai trattato seriamente, nel bene e nel male, e che il tempo in cui era possibile limitarsi a considerarlo buono solo per gag d'avanspettacolo era finito. Come i Queen (e i loro produttori) scoprirono letteralmente a loro spese.

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1985 -  Almond, Marc & Bronski Beat - "I feel love" & "Johnny remember me".

Nel 1985 mettere assieme i Bronski beat e Marc Almond in un clip significava superare qualsiasi livello di guardia del tasso di frociaggine, quale oggi non si riuscirebbe a raggiungere neppure un consort di musica rinascimentale con strumenti originali. Equivaleva, per fare un paragone col 2010, a un clip con Madonna e Lady Gaga assieme.
Perché se la fama dei Bronski Beat e di Marc Almond è stata meteorica (anche se più nel primo caso che nel secondo), si trattò di fama a livello mondiale, ai vertici delle classifiche.

Ebbene, prendete questi due ingredienti, metteteli assieme, mescolateli ed avrete... eeeh? Una schifezza come questo video?
Da non credere! Ancora una volta l'omosessualità ha provocato infarti a catena fra produttori e registi.

Qui abbiamo un medley di non meno di quattro canzoni, fra le quali la canzone-simbolo della disco-music degli anni Settanta, "I feel love" di Donna Summer. Un brano-culto per i gay di qualche decennio fa.
Si tratta d'una canzone d'amore, in origine cantata da una donna, e qui ripresa da un gruppo di quattro persone, tutte rigorosamente maschietti.

Il regista avrebbe potuto fare buon viso a cattivo (per lui) gioco, e premere sul pedale del camp, dando a tutto l'insieme un aspetto surreale, per disinnescare un poco (se ci teneva tanto a farlo) il messaggio eversivo di quest'accoppiata di regine. E invece è riuscito soltanto a finire in pieno kitsch (che non è più a buon mercato del camp, è solo più di cattivo gusto e basta) con scenografie da teatrino da liceo di provincia, e guai poi a fare intravedere una minima scintilla di (omo)erotismo!

E però... come fare a non deludere i fans gay?
Idea! Mettiamo situazioni allusive a storie d'amore fra uomini, ma senza far capire che sono storie d'amore: saranno gli spettatori a colmare i vuoti... se proprio ci terranno a farlo.
Ecco dunque un surfista, un torero (che richiama l'LP Torment and toreros di Marc Almond), un motociclista e un automobilista interagire (in modo totalmente innocuo) volta per volta con le quattro persone presenti in studio. Ma allo scopo di non far venire strane idee a nessuno, il filmato è girato in modo tale che le immagini risultino accelerate, con effetto da comica di "Ridolini", che butta tutto sul ridere.
Alla fine, a furia di prendere precauzioni e mettere le mani avanti, il risultato è un papocchio. Come ho detto, si cerca di essere camp e si riesce solo ad essere kitsch. Si cerca di essere allusivi, e si risulta solo inconcludenti. Si cerca di contentate tutti, e non credo proprio che l'obiettivo sia stato raggiunto. E così via.

Insomma, siamo di fronte ad una colossale occasione mancata, e ad un'impostazione clamorosamente sbagliata.

E dire che questo medley è una delle cose più elettrizzanti e ipnotiche mai prodotte da questi musicisti e cantanti.
Quindi gli ingredienti per creare un capolavoro che entrasse nell'olimpo dell'immaginario collettivo gay a fianco di Pink Narcissus e magari Sebastiane, volendo, c'erano tutti. Non sono stati sfruttati, perché farlo avrebbe implicato trattare l'omosessualità come un non-problema.
Cosa che in quegli anni, come dimostrano alcuni filmati dell'epoca, era già possibile fare. Ma non si è voluto farlo.

Peccato, peccato e peccato.

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1985 - The Communards - "You are my world". Dall'Lp: Communards.

Anche qui il solito problema di tutte le (sempre più numerose) canzoni gay di quegli anni: come trattare in immagini un tema che all'epoca era tabù nel mondo dell'immagine? La risposta fu quella tipica di quell'epoca: facendo uso dell'ambiguità, e contando sul fatto che la massa degli spettatori, distratti, non avrebbe badato alle parole, o le avrebbe prese per la solita (ennesima) cover da Donna Summer cantata senza modificarne il testo.

Un testo che peraltro è abbastanza melenso, perfino al di sopra del tasso glicemico tipico delle canzonette:

Non c'è nulla, ragazzo, che possa fermare la mia rotta
ti stringerò forte e non ti lascerò mai andare via,
la festa del domani non finirà mai:
come un bocciolo in primavera il nostro amore
fiorirà e crescerà.

La regia segue fondamentalmente, con una serie di gag visive terra-terra, il disperato tentativo del giovanotto di cavarsela.
Per esorcizzare il sospetto di omosessualismo, le scene di potenziale nudo (il ragazzo che entra nella vasca da bagno, il ragazzo che toglie il vestito per metterlo in lavatrice) vengono radicalmente censurate, e non un centimetro quadrato di satanica pelle maschile è esposto allo sguardo lubrico di potenziali spettatori gay. Nemmeno quando la narrazione avrebbe giustificato un rapido abbaglio di carne nuda: niente! Questo serve a dare l'idea dell'ottica con cui questo video è stato confezionato.

Nulla viene detto mai del sesso della persona attesa, che quando arriva è mostrata nel solo dettaglio d'una mano che picchia un batacchio.
E a questo punto, ovviamente, il vestito non è ancora asciutto. Che fare?
Niente paura: il ragazzo prende il vestito che Jimmy Somerville indossava mentre cantava (era visibile su un televisore portatile), e con quello addosso apre alla persona amata...
Ze end.

In base a qualche misteriosa proprietà transitiva della frociaggine, il fatto che il ragazzo indossi il vestito di Somerville e che Somerville cantasse il suo amore per un uomo, permette d'identificare la persona in arrivo con l'uomo per cui cantava Somerville. E questo bastava (all'epoca) a rendere soddisfatta l'audience gay. (E anche se non la soddisfaceva, era giocoforza accontentarsi, perché o questa minestra, o saltare dalla finestra).
Ma ovviamente per arrivare a questa conclusione occorre una serie di contorcimenti logici che solo i gay, all'epoca affamati di qualsiasi cosa permettesse loro di rispecchiarsi, avevano voglia di compiere. Mentre gli spettatori etero, vivendo in un mondo in cui tutto ciò che non è etichettato come gay è di default etero, erano autorizzati dalla consuetudine a identificare la persona in arrivo con una donna. E con questo, la casa discografica tirava un sospiro di sollievo.

In conclusione, questo video è fondamentalmente un'occasione mancata: come tutti gli altri video di Somerville/Bronski Beat/Communards su testi a tematica gay, non rientra fra quelli che hanno aperto strade e possibilità sulla tematica lgbt.
Come tutti gli altri video di Somerville & c. si mantiene infatti nel territorio grigio dell'ambiguità, che all'epoca era il più sicuro, ma anche quello meno passibile d'innovazioni e sperimentazioni.

Per un complesso dal nome tanto rivoluzionario, ritratto a iosa con bandiere rosse e falciemartello, nonché composto da due dei gay più dichiarati della Terra, direi che il gap fra le promesse e il risultato sia stato enorme.

Ahimè.
 
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Il testo di questa canzone francese, nonostante il titolo provocatorio e altisonante ("Terzo sesso") non ha davvero il coraggio d'affrontare il tema dell'omosessualità, e allora ci gira intorno gingillandosi maldestramente col tema dell'androginia, esaltando

"gonne lunghe per tutti i ragazzi
vestiti come la mia fidanzata,
per ragazze senza infingimenti
truccate come il mio fidanzato.
Il grande choc per i più viziosi
diventa presto caccia alle streghe".

Si aggiunga che il videoclip non è nient'altro che la ripresa di un'esibizione del gruppo, virata con qualche effetto di ritocco d'immagine per farlo apparire "moderno". Inevitabilmente, oggi questi effetti grafici "moderni" del clip fanno ridere, e ricordano più che altro il lavoro della mia nipotina di dieci anni quando gioca con gli effetti grafici di "Windows movie maker"...

Insomma, una canzoncina yé yé gradevole e orecchiabile, però nulla di più di questo: un prodotto seriale usa-e-getta, che non viene certo sottratto al logorio del tempo da un videoclip che s'è limitato al minimo sindacale...

Riposi in pace.

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Nonostante nei primissimi anni Ottanta Marc Almond fosse una delle persone più notoriamente omosessuali al mondo (il suo modo di presentarsi, da vera flaming queen, lasciava pochissimi dubbi a chicchessia), la sua strategia di marketing ha sempre evitato le dichiarazioni troppo aperte, alla Bronski Beat.

Almond ha semmai privilegiato nelle sue canzoni un approccio più alla don't ask, don't tell, evitando le prese di posizione più militanti, ma ficcandoci sempre dentro qualche elemento, qualche richiamo, qualche allusione più o meno sfacciata che strizzasse l'occhio all'interpretazione gay.
Oggi può forse apparire strano, ma questa strategia funzionava, dato che il mercato discografico offriva talmente poco e talmente di rado, nel campo glbt, che anche queste piccole allusioni venivano tesaurizzate ed apprezzate come se fossero grosse novità. Figuriamoci poi nei videoclip, che all'epoca erano ancora impantanati a scontrarsi con la bigotteria del medium televisivo.
E a dire il vero il gioco della decrittazione delle allusioni nelle canzoni di Almond era tanto diffuso all'epoca che mi ricordo che si diceva in giro che questa canzone parlasse in realtà, sotto metafora, del fisting... ("Era il gioiello più prezioso / che io potessi darti. / Colorami di rosso quando mi sento blu/triste")!

Il clip per "Ruby red" ("Rosso rubino", una delle migliori canzoni di Almond) non fa eccezione, rispetto a questa strategia.
Girato interamente sotto un filtro rosso e popolato di diavolacci e diavoletti rossi, affastella una serie d'immagini che tendono ancora a seguire pedissequamente il testo, trasponendolo in immagini, com'era di moda alle origini del videoclip (per esempio, se il testo dice che il cuore della persona amata era "rosso come la fiammata dalla pistola d'un killer"; ecco che ci viene mostrata diligentemente una pistola, e lo sparo).
Ciò toglie una coerenza narrativa propria al filmato, dato che il testo procede per accumulazione d'immagini poetiche e metafore, senza una precisa logica narrativa.
 

Fra tutti i videoclip dell'epoca con allusioni gay, questo è quello che maggiormente s'avvicina all'universo d'immagini di Pink Narcissus, film che peraltro all'epoca non aveva ancora raggiunto lo status di cult di cui gode oggi. Potrebbe quindi anche essere più un caso di "evoluzione parallela" che di citazione deliberata di James Bidgood.

Da parte sua, il testo della canzone (peraltro di buon livello) contiene allusioni che, se si vuole, sono chiaramente leggibili in chiave omosessuale (per esempio, il rimprovero verso la persona amata di aver picchiato l'io narrante fino a farlo diventare "black and blue", ovvero coperto di lividi, non si applica certo a una gentile signorina, casommai a un tamarro maschilista come il marinaio nel letto: fa parte d'un certo immaginario omoerotico che non disdegna l'S&M.

Resta in ogni caso il fatto che se è difficile considerare questo come un vero e proprio videoclip a tematica gay, la sua estetica strizza l'occhio alla sensibilità gay (ovviamente a quella camp) in modo assolutamente sfacciato.

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Questo video, affidato al regista gay militante Derek Jarman (già autore all'epoca del rivoluzionario Sebastiane), dimostra che per produrre un bel video non occorre una camionata di soldi, e neppure un carattere istericamente gay che faccia uno scandalo promozionale.

In effetti gli Smiths, interpreti della canzone, non solo non furono mai paladini della lotta di liberazione gay, ma il loro frontman Morissey ha giocherellato in modo altamente stucchevole per decenni col tormentone del "io lo sono, o forse non lo sono, anzi no che non lo sono, e se anche lo fossi sarebbero solo affari miei". Uff!

Ebbene, qui quel che non ci misero gli Smiths ce lo mise di suo Jarman. Riuscendo nel contempo ad aggirare l'eterno problema dell'epoca; la censura omofoba delle tv che, prima dell'epoca d'Internet e di iTunes, erano le uniche destinatarie di questi video promozionali.
Jarman seppe anzi trasformare una seria limitazione (la proibizione di rappresentare l'omosessualità) in una risorsa espressiva, come vedremo.

Il regista gioca sul minimalismo apparente, nascondendo sotto un velo di semplicità - se non addirittura banalità - una realtà complessa, che richiede un piccolo sforzo mentale per aprire lo scrigno del messaggio, il quale però una volta capito si rivela prezioso.

Il testo, da solo, non ha nessuna connotazione omosessuale. Il cantante si rivolge, come in millanta altre canzoni, a un generico "tu" il cui sesso non viene specificato, chiedendogli di renderlo felice:

Portami fuori, stanotte,
oh portami dove vuoi, non m'interessa dove.
Viaggiando sulla tua auto
non vorrei tornare mai e poi mai a casa
perché non ne una
oh non ce l'ho.

Portami fuori stanotte,
perché voglio vedere gente
e voglio  vedere luci.
Accompagnandomi con la tua auto
oh, ti prego, ti prego, non lasciarmi a casa,
perché non è la mia casa, è la loro casa,
ed io non sono più il benvenuto.

Jarman ha costruito il commento visivo con la sovrapposizione di tre strati d'immagini.
Il primo è il ritratto, virato in colore blu, amoroso e carezzevole, d'un bellissimo ragazzo in calzoncini, sdraiato sulla pancia mentre prende il sole. Il ragazzo è perfettamente immobile, ma è sveglio, come rivela a un certo punto l'ammiccamento d'un occhio.
Il secondo strato è un increspamento onirico di onde liquide, virate in colore giallo, che appare e scompare.
Il terzo, infine, è un assemblaggio d'immagini in colori naturali ma molto schiariti, che commentano il testo mostrando tipiche abitazioni inglesi, automezzi in moto, scene d'incidente d'auto, veicoli incendiati e quant'altro.

I tre strati formano una continua polifonia, diventando alternativamente più o meno visibili rispetto agli altri due, con un effetto straniante, a metà fra il sogno e l'incubo, che è poi quello della canzone.

L'aspetto rilevante del clip sta nella figura del ragazzo, che dimostra che quando siamo di fronte a un artista vero, è possibile dire mille parole anche facendo silenzio. Il modo in cui la camera lo riprende equivale infatti a una lenta, estasiata carezza. Non un solo gay in tutta la Terra, ammirando il video, non capì all'epoca cosa ci stesse dicendo il regista: "Questo ragazzo è la persona amata, quella per cui la canzone è stata scritta".

E tuttavia nel video appare per due volte una coppia composta da un ragazzo biondo e una ragazza mora che si baciano, necessaria per permettere alla massa dell'audience, quella composta dagli eterosessuali, una chiave di lettura totalmente diversa.
Qui Jarman adopera una tecnica che sarebbe stata molto usata negli anni a venire, per presentare canzoni a tematica gay senza fare uscire di testa gli etero. Il ragazzo è infatti presentato in modo da poter essere visto come colui che sta pronunciando le parole della canzone, e il fatto che chi canta sia un uomo rientra a questo punto nell'assoluta normalità (dà voce al personaggio delle immagini), mentre la scena del bacio è ciò a cui il ragazzo sta - probabilmente - pensando.

Jarman è quindi riuscito a trasformare quello che era un reale impedimento culturale dell'epoca in un'occasione per creare una "opera aperta", che avesse diverse possibilità di lettura a seconda del tipo di spettatore che vedeva il filmato.
Lo ripeto: nessun gay si lasciò all'epoca ingannare dalla coppietta etero che si bacia, percependola semplicemente come parte dello "sfondo di catastrofi" (per l'appunto...) contro il quale si staglia il vero soggetto del filmato, cioè il ragazzo azzurro, che per il narratore costituisce la fine delle catastrofi e l'inizio di qualcos'altro (un verso dice: "E nel buio sottopassaggio / ho pensato: "Oh Dio, finalmente è giunta la mia occasione!").
Viceversa, questo video sfacciatamente omoerotico non incorse in nessuna censura, polemica o bando, grazie al fatto che tutti gli etero scelsero in massa la chiave di lettura che faceva a meno dell'elemento omoerotico. Geniale!

La differenza fra Jarman e l'esercito delle dodicimila scimmiette che in quegli stessi anni (e purtroppo ancora oggi) costruivano video "ambigui", è che gli altri costruivano filmati "né carne né pesce" per paura di scontentare qualcuno, mentre Jarman ha prodotto un filmato che è sia carne che pesce, a seconda di come lo spettatore desidera che sia.

A conclusione dirò che questo è un filmato splendido, accompagnato da una canzone perfettamente riuscita, dalla bella melodia molto cantabile, eseguita da un Morissey in particolare stato di grazia.
Secondo il mio parere personale resta a tutt'oggi uno dei più bei videoclip a tematica gay mai prodotti.
 
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1988 - Boy George - "No clause 28" [45 giri].
 
Il cantante dei Culture Club "Boy George" divenne celebre giovanissimo a livello mondiale non solo per la bella voce e le sue canzoni orecchiabili e ben orchestrate, ma anche per una stravaganza nel vestire al limite (e talvolta oltre il limite) del travestitismo, coltivata con cura (peraltro con successo) a fini promozionali.

Magari oggi fa anche un po' ridere ripensare a quanto fosse cocciuta la determinazione con cui questa signorinella travestita negasse, strillando oltraggiata come un'aquila spennata viva, d'essere omosessuale, nonostante tutti sussurrassero che la canzone "Do you really want to hurt me" fosse stata scritta per il batterista "dagli occhi di bragia" con cui aveva una relazione... cosa che peraltro anni dopo avrebbe confermato lui stesso!

In quella prima parte della sua carriera Boy George fu l'incarnazione stessa della checca fatua discotecara, strafatta dagli alluci fino alle punte delle treccine, che viveva solo di moda, droga, locali notturni e sesso (quest'ultimo ammesso solo molti anni dopo: all'epoca infatti Boy George divenne celebre per avere dichiarato in un'intervista, per spiegare l'assenza di frequentazioni femminili, che in effetti trovava una tazza di buon tè molto più gratificante del sesso. E ci fu chi commentò all'epoca: "Sì, certo: il dildo non è più largo abbastanza, ormai, quindi è passato alle tazze...").
La politica gay era insomma l'ultima, ma davvero l'ultima, delle preoccupazioni di questa bambina stoned.

Poi, la catastrofe. Dopo qualche anno di successi travolgenti la Sorte, volubile e capricciosa, decise che era arrivato il momento di travolgere anche i Culture Club. Per Boy George fu il crollo, un crollo che lo vide anche implicato in storie di droga con relativo arresto e in altre questioni che non è il caso di elencare qui ed ora.

A noi importa il risultato di questa crisi personale e professionale: riuscì a riemergerne un nuovo Boy George, forse un tantinello ancora stoned, ma meno terrorizzato dalla prospettiva del coming out (che finalmente arrivò) e con un nuovo interesse per alcune questioni di politica.
Un Boy George capace addirittura d'accorgersi che nel frattempo era scoppiata un'epidemia, l'Aids, che stava costringendo le agendine del telefono di tutti noi a una cura dimagrante forzata... e contro la quale le autorità non volevano far nulla perché tanto ammazzava solo froci e drogati.

Boy George rivelò insomma un inatteso lato di militante gay, che lo avrebbe portato sia a scrivere canzoni a tematica apertamente gay, sia a svelare l'ispirazione omosessuale di alcuni successi dei Culture club. Molti anni dopo, nel 2002, avrebbe raccolto tutto questo materiale in quel gioiellino che è il CD U can never be2straight  (gioco di parole fra "Non si è mai onesti abbastanza", e "Non si è mai etero abbastanza"), un piccolo capolavoro d'equilibrio negli arrangiamenti e nell'interpretazione.

Le parole della canzone sono un po' confuse, e rivelano lo sfogo scritto di getto da un cantante che di politica s'era sempre disinteressato... e si vede.
Ma proprio perché sembrano uno sfogo hanno un tono diretto che conferisce loro un certo impatto, al di fuori della retorica.
Il tono è quello del volantino politico, senza pretese poetiche:

No al paragrafo 28:
fratello sei troppo, troppo arretrato.
Parlano di Aids e lo chiamano maledizione,
ma fratelli, noi sappiamo che andrà ancora peggio:
sapete che non lo curerete con le campagne tv.

Fondamentalmente il video è fatto con un gruppo di ragazzetti poco più che adolescenti che balla, intervallato da primi piani di Boy George ripresi in bianco e nero su uno sfondo coloratissimo, spesso fatto di mosaici di fiori spaventosamente kitsch.
Nel filmato si fa un vero abuso degli "effetti speciali" resi possibili dai nuovi macchinari per la manipolazione digitale d'immagini. "Effettoni" che al confronto di quelli possibili oggi fanno solo ridere, e "invecchiano" il video molto più di qualsiasi altra cosa.

Nel complesso non si tratta quindi certamente d'uno dei dieci video a tematica lgbt più riusciti della storia, cionostante questo clip è interessante per il modo in cui segnala e registra il cambiamento sociale e politico causato in quel periodo dall'irruzione dell'Aids e dal "colpo di frusta" antigay che esso aveva reso possibile.
Pur non essendo una gran riuscita, il filmato è insomma una preziosa testimonianza dell'epoca, nonché ovviamente dell'evoluzione graduale di Boy George da svampita da discoteca a (quasi) militante gay.

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1988 - Gainsbourg, Serge - "Mon légionnaire" (prima versione). Dall'Lp:You're under arrest.
 
Serge Gainsbourg ha passato la vita a fare il "bambino terribile", divertendosi a creare sistematicamente scandalo e ad infrangere tutti i tabù possibili e immaginabili.

Per dare un'idea di chi fosse, a beneficio di chi fosse troppo giovane per averlo sentito nominare, basterà dire che una delle sue canzoni s'intitola "Les femmes, ça fait pédé" ("Le donne, sembrano checche"), che spiega: "Le donne sono effeminate, sono molto effeminate, talmente effeminate che sembrano checche". Ci siamo capiti...

Non stupisce quindi il fatto che solo una persona così potesse osare fare una cosa tanto demenziale quanto cantare in prima persona una canzone francese molto famosa, "Il mio legionario", che parla dell'amore per un soldato della Legione Straniera, lanciata nel 1936 dalla cantante Marie Dubas e resa celebre da una cover di Edith Piaf.
Ovviamente il testo, che era fortemente eterosessuale, una volta cantato da un uomo diventa scandalosamente gay:

Non so il suo nome, non so nulla di lui.
Mi ha amato per tutta la notte,
il mio legionario!
E lasciandomi al mio destino
è partito nel mattino
pieno di luce!
Era snello, era bello,
profumava di sabbia calda,
il mio legionario!
C'era il sole sulla sua fronte
che metteva nei suoi capelli biondi
riflessi di luce!

Peccato che nel momento di passare dalla canzone al video qualcosa sia andato storto nella testa dei produttori e del regista.
Niente da ridire sulla scelta del bianco e nero e sull'ambientazione (un enorme capannone, camuffato da ambiente industriale) per riportare a quel 1936 in cui la canzone era nata: dopotutto, di legionari oggigiorno ne sono rimasti pochini...
Ok anche per la scelta di prendere un gruppo di ballerini e truccarli in modo da farli sembrare una manica d'evasi dal bagno penale. Inquietanti, ma pur sempre parte dell'atmosfera da cui nacque la canzone.
Perfino il tocco genettiano con cui sono ripresi i corpi guizzanti dei ballerini non è fuori luogo.

Il problema nasce proprio quando si decide di mostrarcelo, il famoso legionario tanto evocato. Sarà snello? Sarà bello? Profumerà di sabbia?
Ecco, s'apre il portone, e la sua sagoma si staglia controluce. E dopo qualche istante di suspense, il giovane si fa avanti.
Ma non è un giovane. È un bambino (un bambino, nella Legione Straniera? Ma in che delirio siamo finiti?). A lui il cantante s'avvicina con fare paterno.
E a questo punto senza nessun motivo o ragione o provocazione, la marmaglia si scatena e snuda i coltelli a serramanico e s'accinge ad attaccare.

Fine del clip.

Ora, se affrontare il tema dell'omosessualità è un problema, un regista dovrebbe avere la decenza di dirlo ai committenti. E soprattutto di dirselo.
Anche perché se no la figura del menga ce la fa lui, se per evitare di trattare il tema inizia il filmato come Un chant d'amour e lo termina come Ufo robot. Come minimo, ci fa la figura di quello che non è capace neppure di narrare per tre minuti di fila senza distrarsi. Come massimo, sbaglia totalmente il video, com'è accaduto in questo caso. Proprio perché le belle immagini patinate e i volteggi dei ballerini riescono inizialmente a dare una certa solennità alla vicenda, il tonfo del finale ridicolo e abborracciato stride ancora di più con la parte precedente.

Forse sarà stato per questo (ipotizzo) che dopo questo video scombiccherato e deludente Gainsbourg ha creato una seconda versione del clip, sempre sulla stessa canzone.
Con risultati, questa seconda volta, decisamente azzeccati.

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Nel 1988 il videoclip era ormai completamente sganciato dalle sue origini di filmatino promozionale di un'Lp, per diventare sempre più simile a un cortometraggio, sia pure cantato anziché recitato. Ed era ormai venduto (in videocassetta!) come prodotto autonomo.
Ormai nuovo mezzo di espressione artistica - sia pure sottoposto alle esigenze molto stringenti del marketing che lo finanziava - il clip aveva perso l'abitudine di rendere per immagini, frase per frase, il testo della canzone sottostante, per lanciarsi a raccontare storie autonome. Queste storie potevano non avere alcun rapporto con il testo cantato. A volte con risultati penosi (quando il regista faceva violenza alla canzone) e volte invece con risultati interessanti.
Come nel caso di questo "Domino dancing" dei Pet shop boys, nel quale le immagini raccontano una storia che non ha nulla a che vedere col testo (la "danza del domino" sarebbe una metafora dei rapporti sessuali casuali), che peraltro non parla in alcun modo d'omosessualità.

Il video racconta infatti la rivalità amorosa fra due bellissimi adolescenti latinos di Portorico, che dal modo che hanno di relazionarsi sembrano amici o fratelli, per una ragazza anche lei bellissima, che da parte sua sembra disposta a farsi corteggiare con equanimità da entrambi.

Ebbene: nonostante il coming out di Neil Tennant risalga solo al 1994, il duo nel 1988 aveva già iniziato a flirtare (anche a fini promozionali: nel marketing l'importante è far parlare di sé!) con la notizia della possibile omosessualità di uno di loro, o di tutti e due.
"Domino dancing" fa però qualcosa di più che flirtare, e prende il toro gay per le corna, gettandosi in un omoerotismo alla Bruce Weber che la storiellina eterosessuale che funge da facciata ufficiale per il clip non riesce assolutamente a celare.

In Rete è difficoltoso trovar oggi traccia di tutto quanto è avvenuto prima degli anni Novanta, e così il dibattito che suscitò questo video (che si svolse su carta, non su Internet) è difficile da documentare, ora. Ma ricordo perfettamente che l'attenzione amorosa (e golosa) dedicata ai corpi dei due ragazzi, fece discutere, specie nella scena finale di lotta (a torso nudo, sulla riva del mare, al rallentatore...) che somiglia più a una schermaglia amorosa o a una danza di corteggiamento che a una rissa fra rivali in amore.

Oggi ovviamente vediamo con occhi diversi questo video: la nudità maschile è stata ormai sdoganata dalle riviste e dalle pubblicità di moda, e dopo il Grande Fratello nessuna tv evita più un torso nudo maschile per la paura di perdere spettatori.
Resta il fatto che questo clip fu pioniere nello "sdoganamento" d'una sensibilità e d'un occhio gay nel campo dei videoclip, e che la sua qualità era tale che a vent'anni di distanza ne è stata riproposta una "versione estesa" e rimixata. Quindi, se non lo avete ancora visto, guardatevelo.

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1989 - D'Arby, Terence Trent - "Billy don't fall". Dall'Lp: Neither fish nor flesh.

Questo è un video contraddittorio, ma proprio per questo ancor più significativo dell'epoca in cui fu prodotto.

La colpa è in parte anche della canzone, che vuol essere una denuncia delle tragedie che, nell'indifferenza di troppi, stava causando l'epidemia di Aids, esplosa da non molti anni. Poiché gli attori sono tutti neri (e questo è anche il primo video d'un cantante nero ad affrontare il tema dell'omosessualità), è indubbio che questo clip possa vantarsi di aver contribuito allo sforzo di coscientizzazione della comunità nera (e non solo di quella).
Ovviamente, però, a parlare di drammi umani si finisce per fare una canzone drammatica. E questa lo è...

Billy era un ragazzo solare e positivo, che amava i ragazzi, e non capiva perché lo si prendesse di mira per questo. Ciò lo aveva portato ad appoggiarsi sempre più al suo amico, l'io narrante della canzone, al punto che questi era stato costretto a rivolgergli una preghiera: quella di non innamorarsi di lui, dato che non essendo gay non sarebbe stato in grado di corrisponderlo.

Purtroppo però un giorno Billy si ammalò e

la sua vita sfumava nel grigio;
cercò di aggrapparsi a briciole di famiglia
ma tutti i suoi cari cacciarono Billy.
Billy morì giovane,
la faccia nel vento,
e fra tutto, ciò che m'è spiaciuto di più,
è stato vedere odio e paura uccidere un amico.

Ma anche senza questa scelta di drammatizzare, sarebbe stata comunque la pregnanza emotiva delle immagini a rendere assai più brutale lo stacco brusco fra le scene di Billy che frequenta il cantante, o che passeggia di notte abbracciato a un altro uomo (ed è aggredito da un gruppo di omofobi!!!) e quelle in cui è in un letto d'ospedale a tossire a morte, o quella conclusiva in cui il cantante passeggia in un cimitero in cui appare il nome di Billy su una croce... Immagini "pesanti", non c'è che dire: molto più delle parole.

Il problema è solo che oggi è più difficile capire d'impulso le motivazioni profonde di quelle scelte artistiche, dato che ormai la drammaticità stessa dell'epidemia causata dall'Hiv è stata in gran parte arginata. All'epoca una diagnosi di sieropositività era quasi sempre una condanna a morte entro pochi anni, oggi invece per fortuna, almeno in Occidente, non lo è più. E quindi l'impatto emotivo d'un video come questo ci risulta ben diverso, rispetto al 1989.

Un fan ha scritto sulla pagina di Youtube di questo video:

"Sananda" [Sananda Maitreya è il nuovo nome d'arte che s'è scelto oggi Terence Trent d'Arby, NdR] "era troppo avanti rispetto al suo tempo per noi persone terra-terra. Che grande canzone, e lezione, per noi...".

Ma farlo sarebbe un errore, e sarebbe anche un peccato, dato che - sia pure con qualche contraddizione (buttare in mare uno che t'ha baciato sulla guancia resta pur sempre un comportamento da babbuino!) - rimane un bel video, scritto per una bella canzone.
Da guardare.

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1989 - Gainsbourg, Serge - "Mon légionnaire" (seconda versione). Dall'Lp: You're under arrest.

Non devo essere stato solo io a trovare demenziale la prima versione del video di "Mon légionnaire" di Serge Gainsbourg, se nel 1989 Henri Legoy ha provveduto a girarne una seconda versione, che ribalta completamente l'impostazione del primo. Vincendo il confronto su tutta la linea.

Perché se Gainsbourg s'è divertito a rilanciare, cantandola un prima persona e quindi rendendola gay, una canzone d'anteguerra (1936) eterosessuale portata al successo da Edith Piaf (e quindi ben nota al grande pubblico francese), è chiaro che una parte del senso dell'operazione stava nello straniamento provocato dalla trasformazione in senso omosessuale d'una canzone che in origine non lo era.
"Riportare all'ordine" la canzone, censurandone l'aspetto omosessuale, significava cancellare questo straniamento, che in definitiva era il tocco di genio caratteristico d'un cantante (eterosessualissimo) che per tutta la sua vita è stato un provocatore nato.

Qui il nostalgico "bianco e nero" è rimpiazzato dal colore, che ci riporta al presente e alla realtà.
Il budget, eliminato il corpo da ballo, s'è ridotto, così come il numero di personaggi, ma la narrazione ci ha guadagnato in concisione.
Ci sono il cantante, un bar palesemente gay (i clienti a un certo punto iniziano a ballare fra loro in modo sensuale), un biondo molto macho in canottiera. E una fotografia di un soldato della Legione Straniera francese incorniciata, in mano al cantante, che racconta al biondo il grande amore nutrito per quel giovane.

L'avventore un po' lo sta ad ascoltare e un po' lo tiene a distanza, per via delle le sue esplicite avances.
Ed alla fine, di fronte all'insistenza con cui il cantante gliela porge, schiaccerà sotto il tacco la foto del legionario, che inquadrata da vicino si rivela ritrarre nessun altro se non... Scopritelo voi.

Questo clip dimostra come si possano fare cose gradevoli anche con un budget limitato, se si ha a disposizione (come qui) un testo "forte" e un cantante dotato di personalità, ma soprattutto se non ci si è messi in testa di intonacare e occultare con le proprie immagini i significati giudicati "troppo anticonformisti" del testo.

Nel presente caso la volontà di creare qualcosa di nettamente diverso dalla prima versione ha privilegiato una narrazione lineare, senza fronzoli, basata più sugli sguardi e le inquadrature e i gesti che sulle acrobazie dei ballerini, o sulle solite macchine da presa che frullano avanti e indietro per il palcoscenico come palline da ping pong in un tornado, tipiche dei videoclip.
Nel testo della canzone c'era una storia, il clip l'ha arricchita senza negarla o censurarla, e così facendo ha esaltato la canzone e il cantante.

Sicuramente da vedere, anche da parte di chi è troppo giovane per ricordarsi del "fenomeno Gainsbourg".
 
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Per moltissimo tempo la rappresentazione pubblica dell'omosessualità è stata proibita, con una sola eccezione: le rappresentazioni comiche, nelle quali l'omosessualità era oggetto di scherno e derisione.
L'arte del videoclip è nata quando ormai questa regola era venuta meno, ma di tanto in tanto capita ancora di trovare qualche ritardatario, come questo brano hip-hop, o l'orribile "Per diventare gay" di Mines, (del 2006!).

"Funky cold Medina" è il nome d'un presunto cocktail afrodisiaco che il cantante (anche se definirlo così è eccessivo, dato che si limita a rappare) racconta d'aver scoperto e provato per avere più successo con le ragazze. Un paio di sorsi, e tutte ti trovano irresistibile.
La canzone è intenzionalmente comica, dato che alla fine il narratore riuscirà ad ottenere le attenzioni solo del suo cane, di un transgender, e di una donna che parla di matrimonio al primissimo incontro...

La descrizione dell'incontro con la transgender nel testo è descritto come segue:

Lei disse, "Offrimi qualcosa da bere", io dissi, "Eeeh... Ok, te lo porto".
Un paio di sorsi, e lei si succhiava le labbra,
ed io seppi che era cotta.
Così, me la portai nella mia culla e tutto andò liscio, come da progetto,
ma quando lei si spogliò, che casino, Sheena era un uomo!
Così, l'ho sbattuto fuori: non mi piace giocare con un würstel Negroni,
devi verificare che si tratti di pura ragazza, con il  Funky Cold Medina.
Sapete, non ho nessun progetto con un uomo:
siamo negli anni Ottanta e sono totalmente soddisfatto delle signore.

Neppure sul lato delle immagini il video si salva, essendo decisamente povero, limitandosi ad alternare riprese del rapper e messe in scena pedisseque delle situazioni raccontate nel testo.

In conclusione, un clip d'interesse puramente documentario, ma nulla di più.

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1990 - lang, k. d. - "So in love". Dall'Lp: AA.VV., Red, hot & blue (1990).

Nel 1990 la crisi dell'Aids aveva raggiunto il suo picco. La comunità gay americana era stata letteralmente decimata dall'epidemia, e le autorità non avevano mostrato il minimo interesse a combattere una malattia che era tanto cortese da sbarazzarla da froci e tossici.
La comunità gay provvide quindi a organizzare attività d'assistenza e prevenzione, a sostegno delle quali furono  escogitate innumerevoli raccolte di fondi.

L'Lp Red, hot & blue fu una di queste iniziative: artisti all'epoca celebri contribuirono esibendosi gratuitamente, uno per canzone, reinterpretando (ognuno col proprio stile) celebri successi del grande canzonettista statunitense Cole Porter, che quasi per caso era anche gay.

Nessuna delle canzoni di Porter ha tema esplicitamente gay, anche se i doppi sensi dei suoi testi sono a volte clamorosi (per esempio la canzone "Blow, Gabriel, blow", che invita l'arcangelo Gabriele a soffiare (to blow) nella sua tromba di gloria, inizia con una frase che in slang significa esattamente: "Succhia, Gabriele, succhia").

Almeno tre video di canzoni tratte da questo Lp hanno scelto di mostrare scene legate alla vita omosessuale: il presente "So in love" della cantante lesbica k. d. lang, "You do something to me" (della cantante bisessuale Sinead O'Connor), e "From this moment on", del cantante gay Jimmy Somerville.

"So in love" ("Ti amo a tal punto") è una delle canzoni più belle e celebri di Cole Porter, ed è stata quindi cantata da un'infinità di artisti.
Questa versione di k.d. lang si differenzia dalle altre per l'atmosfera un po' melanconica, che stempera il romanticismo di maniera dei versi.
 

Le immagini del video ci mostrano infatti la lang nei panni d'una donna che si sta prendendo cura della compagna amata (e che si tratti d'una donna ce lo mostra un vestito femminile steso ad asciugare, che la cantante bacia), attraverso la routine quotidiana di chi deve assistere una persona malata di Aids e non autosufficiente.

Il video mostra la defatigante routine della persona sulla quale ricade l'intero peso dell'assistenza domiciliare, alle prese con la necessità di sterilizzare gli indumenti contaminati da liquidi biologici, potenziali veicoli di contagio.
I guanti indossati dalla cantante per fare il bucato (che in parte qui viene addirittura bollito per sterilizzarlo), all'epoca erano sufficienti a comunicare a molti spettatori la diagnosi della malattia di cui soffriva la persona amata: la "peste del secolo", l'Aids.

Lang scelse in questo video di attirare l'attenzione sul fatto che le donne lesbiche, pur essendo meno colpite di altri gruppi, non erano affatto immuni dal problema, come troppi pensavano all'epoca.
Ed anche se il video sceglie di non presentarci nulla di diverso da una sequenza di gesti della routine casalinga (arricchiti da dettagli, come la sedia speciale usata per lavare sotto la doccia la persona ammalata, incapace ormai di reggersi in piedi), il messaggio arriva con potenza grazie al contrasto con il testo zuccheroso della canzone, che giura "ti amerò fino a che io morirò".
Anche se tutti sapevamo, in  quel periodo in cui non esistevano ancora i medicinali efficaci del giorno d'oggi, che la frase significava semmai "ti amerò fino a che tu morirai".

Un video potente, decisamente "fuori dal coro". Consigliato.

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Madonna, con il suo fiuto per le tendenze, nel 1990 seppe intuire prima e meglio d'altri che era ormai possibile glamourizzare la rappresentazione visiva dell'omosessualità anche nel campo ritardatario dei videoclip (le radio stavano ormai aprendo al tema gay: erano le immagini a provocare la massima resistenza).

In questo video di "Justify my love" (patinatissimo, ed apertamente ispirato al linguaggio visivo dei servizi di moda: non a caso il regista era il fotografo di moda Jean-Baptiste Mondino) madame Ciccone ha quindi provveduto ad inserire timidi, veloci ma assolutamente espliciti riferimenti visuali al travestitismo e all'omosessualità, benché il testo non contenesse nulla di allusivo a questo tema.

Certo: due decenni e centinaia di videoclip a tematica lgbt dopo, le aperture di Madonna al tema ci appaiono timide timide, e fondamentalmente innocue, tuttavia questo video era decisamente "audace" per l'epoca in cui fu prodotto, tanto da meritarsi il bando da Mtv fino al 2002. (Altre tv si limitarono invece a programmarlo in orario notturno).
La censura, ovviamente, non fece altro che mandare alle stelle le vendite delle videocassette contenenti il filmato: questo è stato in effetti il videoclip su videocassetta più venduto nella storia di questo tipo di supporto...

(E qui mi si conceda una nota in margine: grazie alla crescita del canale di vendita delle videocassette, da questo momento in poi per un videoclip il bando da Mtv poté considerarsi ormai come il più efficace strumento promozionale - come Madonna aveva capito benissimo. Le etichette più potenti iniziarono quindi a cercare di provocarlo, invece che di evitarlo. Nacque così l'abitudine di produrre due versioni, una integrale da vendere magari con etichette del tipo "FINALMENTE IL VIDEO INTEGRALE BANDITO DA MTV!", l'altra, espurgata, per la normale programmazione televisiva. Come vedremo, nel XXI secolo la Rete avrebbe poi reso possibile il contatto diretto fra artista e pubblico, lanciando attraverso videoclip azzeccati artisti completamente censurati dalle tv).

 

Il bersaglio del video (e del testo della canzone) è la bigotteria morale, che pretende d'avere il diritto di chiedere a chicchessia di "giustificare il proprio amore". Questa bigotteria è soprattutto religiosa, come ribadiscono i crocifissi che ricorrono nelle immagini, ma anche la frase dal tono di sentenziosità biblica che conclude il video:

Povero è l'uomo
il cui piacere dipende
dal permesso di un altro.

Se oggi il filmato appare piuttosto scontato (escludendo comunque la cura formale, che è straordinaria anche per gli standard odierni) è solo perché esso si colloca all'inizio d'un movimento di radicalizzazione del linguaggio dei video musicali che nel frattempo è giunto a pieno compimento.
Madonna ebbe un ruolo non piccolo in questo cambiamento, perché seppe individuare il giusto confine fra lo scandalo coltivato ad arte per solleticare i pruriti del pubblico, e l'oltraggiosità eccessiva.

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1990 - Madonna - "Vogue". Single. Poi nell'LP: I'm breathless.

Madonna è sempre stata un'antenna ricevitrice sintonizzata su tutto quanto fosse nuovo in fatto di mode e tendenze, capace di farlo suo e rilanciarlo con perfetto tempismo e comunque sempre un attimo prima delle sue rivali.

Nei suoi vagabondaggi notturni per New York, alla ricerca di trend e tendenze, la sua strada ha incrociato un giorno quella del vogueing, un fenomeno nato nella sottocultura dei gay non-bianchi, specie neri e ispanici. Da questo incontro sono nati questa canzone e questo video, intitolati "Vogue".

A voler essere pignoli non è corretto parlare genericamente di "gay", dato che il fenomeno nacque in uno spicchio ben preciso della realtà omosessuale, cioè il settore di quelle che noi in Italia definiremmo le "dolcegabbanate" o le "checche Armani", ovvero le "sfrante" che vivono in funzione della moda, e che hanno per unico sogno entrare a far parte di quel mondo, fosse pure solo come commesse da H&M.

Alcuni gruppi di queste persone avevano preso l'abitudine di ritrovarsi per celebrare assieme il rito della sfilata di moda, un sogno dal quale erano destinate a rimanere escluse per sempre per il colore della loro pelle (i fotomodellazzi americani, se ci fate caso, sono quasi tutti bianchi, e preferibilmente biondi e con occhi azzurri, nonostante i "non-bianchi" stiano ormai per diventare la maggioranza della popolazione statunitense).
Si dividevano in gruppi che portavano il nome di celebri case di moda, denominati "houses" (parola che in inglese sta per "casa di moda", ma anche per "casata nobiliare") e si sfidavano in gare di portamento e posa (per questo Madonna nella canzone continua a ripetere "strike a pose", "mettiti in posa").

La musica accompagnava le esibizioni (come del resto accade nella "vera" passerella), e quindi arricchire con gesti di danza l'esibizione fu del tutto naturale.

Questo insieme d'atteggiamenti e danza fu battezzato per l'appunto "vogueing" ("vogue" al presente indicativo e all'imperativo, come nel titolo della canzone) prendendo il nome dalla celeberrima rivista di moda "Vogue".

non fa differenza il fatto che tu sia bianco o nero,
che tu sia ragazzo o ragazza:
se la musica pompa ti darà una nuova vita;
sei una superstar, sì, questo è ciò che sei, lo sai.

In questo video l'omaggio s'estende ulteriormente alla stessa rivista "Vogue" e ai fotografi dei suoi mitici "anni d'oro" (quelli a cavallo del secondo conflitto mondiale: i quadri della pittrice lesbica Tamara de Lempicka esibiti nel clip "datano" con più precisione agli anni Trenta), in particolare il fotografo gay Horst P. Horst.
Il filmato, girato in un elegante bianco e nero, è infatti una specie di gigantesco "omaggio a", nel quale una posa su due ripete quella di qualche grande fotografo di moda e di celebrità hollywoodiane di quel periodo (in particolare l'attrice bisessuale Marlene Dietrich). Madonna canta addirittura, a un certo punto, un elenco di nomi di celebrità che si sono meritate d'assurgere al ruolo d'icone per il fatto di avere "stile e grazia" (per puro caso, tutte gay/lesbiche, o "icone gay").

In questo video, cantato e ballato splendidamente da una Madonna al massimo della forma, appaiono anche alcuni ballerini selezionati dalla divina in persona sulle passerelle del vogueing, che si esibiscono nelle loro tipiche pose, e passi di danza.

E come ci insegnano i grandi stilisti, la differenza tra l'avere "stile e grazia" e il non averne, sta tutta nei dettagli. Per esempio, questo.

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1990 - O'Connor, Sinead - "You do something to me" - Dall'Lp: AA.VV., Red, hot & blue.

Anche questo video, come il precedente "So in love", deriva dall'Lp: Red , hot & blue.

La cantante irlandese ed eterosessuale (o per meglio dire, ondeggiantemente bisex) Sinead O'Connor rinuncia qui ai capelli rasati, che avevano reso celebre il suo look, e indossa una parrucca platinata per interpretare la cantante d'un locale da ballo degli anni Trenta.
In questo modo ci riporta idealmente ai tempi dei primi successi musicali di Cole Porter, autore della canzone.

Il titolo del filmato, "Le bal de Magic city", in francese, ci aiuta a collocare nello spazio il locale da ballo: a Parigi, città in cui esattamente in quel giro d'anni Brassai scattò una serie di fotografie di clienti di locali per omosessuali e lesbiche, che restano una delle poche testimonianze della vita gay di quegli anni.
La scenografia del video richiama con prepotenza quelle immagini, delle quali potrebbe anzi essere considerato una specie di "messa in scena" cinematografica. Ciò avviene nonostante il fatto che il testo della canzone non offra alcuno spunto di lettura in chiave gay, limitandosi a dire che "tu  mi provochi qualcosa / che nessun altro riesce a provocare".

Nel video danzano abbracciate diverse coppie di persone dello stesso sesso in costume carnevalesco (e vola anche qualche coriandolo), un paio di marinaretti (non si sa se veri o solo in costume), una signora bianca con un partner nero, coppie di donne, qualche coppia etero, e per buona misura un travestito o due.

Dopo aver ricostruito (in modo alquanto idealizzato, a dire il vero) la realtà gay dell'epoca di Porter, nella conclusione il filmato ci riporta bruscamente alla drammatica realtà gay del 1990, con un'immagine della O'Connor mentre partecipa ad una veglia a lume di candela (come quelle organizzate all'epoca per ricordare le vittime dell'epidemia) e due celeberrimi slogan di "Act up!", la più vivace associazione di azione politica anti-Aids di quegli anni: "SILENZIO = MORTE", e "AZIONE = VITA".

Ciò detto, la canzone è romantica e bella, la O'Connor è brava, il filmato è curato... dunque uno sguardo a questo video bisogna senz'altro darla, prima o poi.

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1990 - Pet Shop Boys - "Being boring". Dall'Lp: Behaviour.

Nel periodo in cui la televisione restava l'ultimo dei grandi media di massa a resistere all'arrivo della tematica omosessuale nel dibattito, su questo argomento le riviste di moda, per il loro carattere elitario, avevano nel frattempo potuto evolvere, quasi inosservate, un approccio originale.
Un approccio che riusciva a conciliare l'interesse per la bellezza maschile (che tanto appello ha sul numeroso pubblico gay che segue - e popola - questo mondo) con la necessità di non terrorizzare la maggioranza eterosessuale mostrando apertamente il babau, cioè i froci. Questo mondo alludeva, faceva l'occhiolino, insinuava, richiamava, in un gioco teatrale senza fine in cui l'omoerotismo era sempre più presente, e lo era sempre più sfacciatamente, però sempre dietro alibi tanto risibili quanto rispettati in modo ferreo. L'omosessualità restava (e in gran parte resta) innominabile e tabù, ma in attesa di sdoganare lei si poteva iniziare a sdoganare la bellezza dei giovani manzi ignudi, rendendola socialmente accettabile, rendendola "glamorous", rendendo accettabile l'idea che anche i maschi (etero!) potessero esibire i loro corpi nudi e andarne fieri. E lo si fece.

Quest'evoluzione era stata resa possibile dall'opera d'un gruppo di fotografi di genio, del quale faceva parte Bruce Weber, che avevano inventato un linguaggio, un immaginario, un approccio alla bellezza maschile, che da un lato strizzava l'occhio all'immaginario erotico gay, e dall'altro non perdeva mai di vista il fatto che la foto di moda è un'ancella del marketing, e deve sempre affascinare i potenziali clienti, e mai spaventarli.
Arruolare questa pattuglia d'innovatori per la realizzazione d'un prodotto destinato anch'esso al marketing, qual è il videoclip, era quindi una mossa del tutto naturale: tant'è che oggi non si contano più ormai i fotografi di moda che girano videoclip.

La scelta dei Pet Shop Boys d'affidare proprio a Bruce Weber la realizzazione di tre loro video, in quel periodo, si rivelò una mossa tempestiva e azzeccata.
Va aggiunto che il duo inglese dimostrò una notevole pazienza di fronte al capriccio egolatrico del fotografo, accettando di fare uscire i clip con la buffonesca dicitura: "Un film di Bruce Weber. Musica dei Pet Shop Boys", come se la canzone da promuovere fosse in realtà la colonna sonora d'un cortometraggio. Ovviamente oggi dell'ego smisurato di Weber (che graziosamente "dedica" ai Pet Shop Boys il clip) non si cura nessuno, quaggiù nel mondo reale, e tutti considerano (ovviamente) questi filmati come i clip delle canzoni dei Pet shop boys, e non il contrario.

Il risultato finale è comunque valso la pazienza. Questo "Being boring", nato dalla collaborazione fra Weber e i Pet Shop Boys, si rivela infatti d'enorme impatto visivo, qualificandosi come uno dei più riusciti e convincenti tentativi dell'epoca di sdoganare il tema dell'erotismo (che dopo tutto è IL tema delle parole delle canzonette) oltre la barriera delle censure delle tv. Elegante, mai volgare, ma al tempo stesso molto erotico, era l'esatta mistura fra l'Arte (necessaria come alibi per aggirare la censura) e l'Eros (necessario per attirare l'attenzione del gentile pubblico e incentivare gli acquisti).
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Non si trattava d'un accidente, ma del risultato d'una strategia deliberata, come dimostrano il precedente di "Domino dancing", nonché i loro video successivi, anch'essi a sensibilità omoerotica. Una volta è un caso, quattro, una precisa strategia. Che inffatti sarebbe stata completata, nel 1994, dal coming out di Neil Tennant.

Non ho trovato dati sulle intenzioni con cui questo video fu prodotto, ma direi che sia sufficiente guardarlo per capire come chi lo ha creato abbia voluto inserirvi un filo rosso omoerotico, grazie alla continua delibazione della bellezza maschile (a scapito di quella femminile).
Addirittura, il filmato s'apre con un modello muscoloso e completamente nudo (anche se di spalle) che salta su un trampolino elastico accanto a una piscina (di super-lusso).

Sia chiaro: per l'intero video non esiste la minima interazione fra persone che faccia pensare anche lontanamente all'omosessualità: tutti i baci e le strusciate sono rigorosamente fra maschi e femmine. E questo fu l'indispensabile lasciapassare con cui questo video omoerotico si presentò (con successo) per l'ammissione al mondo - dominato dall'eterosessismo e dal puritanesimo - delle tv.
Neppure il testo contiene allusioni che possano essere lette in senso omosessuale, anzi nomina espressamente una "lei"..

L'omoerotismo indiscutibile di questo filmato risiede quindi interamente nel taglio delle immagini, a iniziare dalla scelta di presentare molti fotomodelli (maschi) bellissimi in vari stati di svestizione, mentre la vista delle loro partner svestite è sempre ostacolata o dai corpi dei loro partner, o da schiuma da bagno, o da accidenti vari. In altre parole: ogni volta che appare una coppia eterosessuale impegnata nella propagazione della specie umana, l'obiettivo del regista si fionda sempre a colpo sicuro sul maschietto. E che maschietti!

Decisamente esagerata l'ambientazione sardanapalesca come accompagnamento delle parole (che si limitano al luogo comune del quanto fosse bella e spensierata la vita da giovani, e quanto fossero belle e mai noiose le feste a cui si andava allora), però la scelta d'esagerare qui è deliberata. Dopo tutto "Meglio il lusso che niente!" è lo slogan che muove tutta la moda...

Nell'insieme, la cura formale estrema di Weber (che si diverte anche a citare in più punti artisti e fotografi del XX secolo, facendo così del filmato anche un piccolo quiz di storia della cultura dell'immagine) ha dato un ottimo risultato. Che è, come detto, di grande impatto, e lo era ancora più nel 1990, quando la visione del nudo maschile non era ancora inflazionata quanto lo è oggi.
Ciononostante la filosofia che sta alla base del filmato (l'importante nella vita è essere giovani, belli, scopare, e non pensare a nulla) lo ha invecchiato parecchio, perché lo data a colpo sicuro agli anni pre-crisi della "New York da bere". Oggi che la realtà (quella dei "mutui sub-prime" e dei fotomodelli che per campare arrotondano come escort) ha battuto una volta di più i pugni sul tavolo della "favola bella" del mondo della moda, questa mandria di manzi vitaminizzati che frullano e si rotolano nell'appartamento appare fatua, sciocca, persa nel nulla.
Il video appare quindi esteriormente patinato e bello, ma privo di sostanza. Non vi succede nulla, e i manzi che lo popolano non hanno nulla da dire se non che sono belli e scopabili, e nulla da far succedere se non camminare come in passerella per far trasudare la loro bonaggine, e magari concedersi per la scopata di turno.
Sì, càpperi, Mr Weber, sono tutti davvero bonissimi... e quindi?

No, la Moda non salverà il mondo, come implica questo filmato. Anzi, sarà già tanto se il mondo permetterà alla Moda di salvare se stessa...
Però, nell'attesa di sapere come finirà, noi ci godiamo questa gradevole canzone dei Pet Shop Boys, ed il video che l'accompagna.

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1990 - Somerville, Jimmy - "From this moment on". Dall'Lp: AA.VV., Red, hot & blue.

Anche questo video, come i precedenti "So in love" e "You do something to me", deriva dall'Lp: Red, hot & blue.

E questo è anche, paradossalmente, il primo ed unico clip in cui il cantante gay militante Jimmy Somerville arriva infine a rappresentare in immagini l'amore omosessuale.
Dico "paradossalmente" perché, dopo aver cantato per anni canzoni con testi gay che non hanno mai dato vita a un videoclip con immagini gay, qui si arriva infine al traguardo con un testo che in origine non era affatto connotato in senso omosessuale (i versi si limitano a inanellare romanticherie melense come: "Da questo momento in poi, non ci saranno più canzoni tristi", ma senza svelare il sesso della persona amata). Si tratta della canzone del 1951 del compositore Cole Porter: "From this moment on" ("Da questo momento in poi").

Questo video arrivò nel momento del massimo successo della carriera solistica di Somerville, quando era già iniziato il declino che lo avrebbe fatto quasi dimenticare negli anni successivi.
Non conosco i retroscena che permisero a Somerville di mostrare infine immagini relative alla tematica gay in questo video. Forse fu la tematica dell'Aids a rendere più "socialmente accettabile" l'innovazione, o forse fu Somerville stesso a ribellarsi infine alla censura che la sua casa discografica gli aveva imposto fino a quel momento (col risultato che nessuno dei reticenti video di Somerville su testo gay può essere definito "memorabile").

Questo clip inizia con una domanda: "Quale pulsione ci salverà ora che il sesso non lo farà più?".
Prosegue alternando il volto del cantante, quello d'un bel giovane che parrebbe sognare, o riflettere su qualcosa di doloroso, e due ballerini (uno bianco ed uno nero) che a torso nudo si abbracciano e amoreggiano.
Dopo un po' un primo piano ci permette di osservare come il ballerino bianco abbia il volto scavato di chi aveva l'Aids conclamato in quegli anni in cui non esistevano ancora le attuali triterapie. Tant'è vero che il video stesso si conclude con un appello a finanziare la ricerca d'una terapia: sullo sfondo d'una pioggia di dollari campeggia infatti la scritta: "Trovate una cura!".
In questo modo il messaggio assume due volti: da un lato riafferma quanto sia bello e importante l'amore, ma dall'altro ricorda quanto esso sia fragile e impotente di fronte a un evento disastroso come l'Aids.

Purtroppo il regista non ha saputo osare, affidando l'intero messaggio alla coppia di ballerini-amanti, come sarebbe stato possibile, e ha ritenuto necessario inzepparci lambiccate immagini didascalico-allegoriche (il giovane malinconico con la rosa in mano, il finto cielo stellato, il giovane coronato di spine, il giovane che lacrima, il giovane che sfascia con un pugno un manichino maschile...) che hanno solo appesantito la visione, rendendola cerebrale senza aggiungere nessun contenuto -- a mio parere.

Nonostante si sia perso in questo modo l'occasione di fare di questo clip uno di quelli "memorabili" negli anni, resta il fatto che "From this moment on" si colloca comunque fra i più convincenti video a tematica gay di quel periodo e soprattutto fra quelli interpretati da Somerville.
Eppure questa canzone e questo video sono relativamente (e immeritatamente) sconosciuti: forse perché usciti troppo tardi per incidere sull'immagine ormai consolidata di Somerville, o sul suo declino ormai già iniziato.

Soppesati i pro e i contro, comunque, io personalmente consiglierei la visione di questo bel videoclip, che a mio parere è stato trascurato ingiustamente.

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Girato dallo stesso regista e nello stesso anno di "From this moment on", dedicato allo stesso tema (l'Aids), questo secondo video differisce dal primo come il giorno dalla notte.

Una volta di più il problema è quello che ha sempre afflitto (e silurato) tutti i videoclip di Somerville: la reticenza sul tema gay, che arriva fino alla vera e propria censura.
Che senso ha infatti, per una canzone relativa alla lotta contro l'Aids, un video costruito interamente su una sequenza di volti che non mostra mai, neppure per caso, il volto d'una persona o coppia riconoscibile come gay, ossia come parte della comunità che in quegli anni era una delle più duramente colpite dall'Aids in Occidente?
Che senso ha, soprattutto, costruire questo video come una sorta di lungo "spot" pubblicitario per Act Up!, l'organizzazione politica animata soprattutto da persone omosessuali, il cui slogan era "SILENZIO = MORTE", se poi non si osa mai dire in tutto il video di quale "silenzio" si stia parlando?

Certo, le parole della canzone non sono particolarmente ispirate, anzi scadono a tratti nel didascalico-propagandistico:

"Guardami negli occhi ed essi ti diranno
che il troppo è troppo, è troppo, è troppo.
(...)
Ci servono cure, non compassione".

Concludendo. Benché questa canzone costituisca un'importante testimonianza d'un certo momento storico e soprattutto d'una battaglia che alla fine è stata almeno in parte vinta, a me non pare che il video sia riuscito minimamente a catturare lo spirito al tempo stesso tragico e galvanizzato di quel periodo.
Peccato.

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1991 - Almond, Marc - "Tainted love '91". [Single].

Questa cover del 1991 d'una canzone incisa per la prima volta nel 1965 da Gloria Jones è a sua volta una riproposizione della versione già pubblicata dai "Soft cell" nel 1981 nell'Lp Non-stop erotic cabaret.

Il testo non contiene il minimo cenno all'omosessualità, e neppure nell'incisione del 1981 appare nulla che autorizzi una lettura in tal senso.
Si tratta solo del lamento per un amore ormai "contaminato" che non dà più nulla all'io narrante, costretto a fuggire da quella che è diventata ormai un'ossessione che non permette più neppure di dormire la notte:

Una volta correvo da te
adesso fuggo da te,
[da] questo amore contaminato che hai dato;
ti ho dato tutto quello che un ragazzo ti poteva dare...

Il volto di Almond interagisce col ragazzo mentre canta del suo amore infelice. Quale rapporto c'è fra il cantante e il protagonista del video? Ad una prima occhiata, il ragazzo è la persona a cui Almond sta rinfacciando il comportamento crudele. Ed è ovviamente questa la lettura che preferirà lo spettatore gay.
Poi però si vede che il ragazzo recita alcune frasi della canzone (ad esempio, quando Almond dice "prenderò le mie cose e me ne andrò", l'attore fa esattamente questo), quindi lo spettatore eterosessuale è autorizzato a vedere l'attore come la vittima dell'amore contaminato verso una figura dal sesso non specificato, ma "certamente" femminile (per gli eterosessuali l'amore può essere solo eterosessuale).

Ma il video (peraltro piuttosto povero e "tirato via" alla garibaldina) è tutta una strizzata d'occhi a una lettura più gay che etero.
Per i più malfidenti, a dimostrazione del fatto che Almond intendeva dare un'ottica gay a questo video, c'è su Youtube la sua reinterpretazione dal vivo, nel 2006, con tanto di ballerino leather seminudo col sedere al vento che danza alle sue spalle... Vedere per credere.

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1991 - Bruel, Patrick - "Place des grands hommes (on s'était donné rendez-vous dans dix ans)". Dall'Lp: Alors regarde [1989].

Tocca a un clip francese l'onore di prendere atto, nel 1991, del fatto che l'omosessualità è ormai diventata un tema di cui si può discutere senza necessariamente cercare uno scandalo (meglio se pubblicitario), ma semplicemente per il fatto che esiste.
Questa "Piazza dei Grandi" non ha nulla, nel testo, che richiami a una tematica omosessuale. Racconta infatti semplicemente dei timori, dei ricordi, dei pensieri che vengono i mente di fronte a un appuntamento molto singolare: quello che un gruppo di compagni di scuola ventenni s'era dato, da lì a dieci anni, "stessa piazza, stessa data, stessa ora".
Ora la data è arrivata, e si tratta di toccare con mano cosa ciascuno di loro sia diventato o diventata.

Le immagini seguono con una certa libertà i suggerimenti del testo, mostrandoci diversi individui che si preparano all'appuntamento, e che poi si ritrovano effettivamente nella piazza e infine vanno asseme a cena.

Fra loro c'è anche un uomo, mostrato addormentato nel suo letto, che si sveglia per rispondere a una telefonata, e rimesso giù il telefono si volta verso la persona che dorme accanto a lui... che è un altro giovane uomo. Si tratta di pochi secondi soltanto, ma caratterizzano meglio di ogni altro discorso il senso di quanto le scelte di ciascuno di noi possano portarlo in direzioni divergenti, e inattese, rispetto al passato.

Il regista cerca anche di caratterizzare il personaggio gay attribuendogli qualche gesto di reticenza e incertezza mentre si reca, in taxi e da solo, all'appuntamento, ma alla fine la sua situazione personale non sembrerà aver inciso sulla riuscita della rimpatriata, che viene commentata nelle frasi finali dal cantante con la considerazione che ciascuno di loro era diventato a modo suo, alla fine, "un Grande essere umano".

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1991 - Gay, Dario - "Sorelle d'Italia". Dall'Lp: Nonsoloamore.

Ben sedici anni dopo il primo filmato citato in questa pagina (!), arriva finalmente il primo clip italiano che affronti la tematica lgbt. Anzi, ad essere precisi, la tematica "t" e basta, dato che per i "g", i "b" e le "l" occorrerà aspettare altri anni ancora, e perfino i "t" appaiono qui solo nell'aspetto più eclatante e discutibile: la prostituzione di strada.

Il cantante è Dario Gay (il cognome è vero, e si legge "gai": la casa discografica, inorridita dalla coincidenza, pretese allora che lo si scrivesse "Dario Gai"), che anni dopo avrebbe fatto coming out e avrebbe scritto canzoni esplicitamente gay come "Le nuvole" o "Ti sposerò".

"Sorelle d'Italia" è una specie d'apologia dei transessuali che sostano ai lati delle strade per la gioia dei "camionisti d'Italia" (affermazione che provocò una querela da parte dell'Associazione Autotrasportatori!):

Evviva le signore
le ultime regine
che sono veramente le signore
e ci fanno l'amore!
Vogliamo le signore,
le loro voci scure
divine, indistruttibili, un po' amare,
e ci sanno scaldare!
(...)
sempre sole - e fa male -
sul viale.

Osservando oggi questo video si ha quasi l'impressione che si tratti d'un esperimento con questo strano e "nuovo" strumento di comunicazione e promozione, fatto senza la minima convinzione (basti vedere le comparse che si distraggono e chiacchierano fra loro nella scena finale mentre ballano alle spalle del cantante!). Il linguaggio del filmato deve infatti molto più a quello del reportage televisivo che a quello del clip musicale, come se il regista non avesse ancora ben chiaro dove andare a parare, o semplicemente non avesse molta familiarità con quanto era già stato prodotto all'estero in questo campo.

Per questi motivi, nonostante la canzone sia spiritosa (con qualche piccolo tocco di sarcasmo) e si ascolti ancor oggi con piacere, direi che il video che l'accompagna non abbia conservato un interesse che non sia quello di documento storico del 1991.

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Un altro video di Jimmy Somerville, e un'ennesima occasione mancata. Forse perché il regista è, ancora una volta recidivo, lo stesso dei video precedenti, Steve MacLean.
Che "qualcosa" fosse cambiato nel mondo dei videoclip (che so, tanto per non far nomi, con Madonna...) il regista l'ha vagamente percepito. Ma la censura era ormai una sua seconda natura, e anche a sforzarsi, ormai non riusciva più ad essere né tradizionale, né audace.

Questo video, creato per una cover di una canzone incisa in origine nel 1985, è stato prodotto al risparmio, piazzando un gruppetto di fotomodelli d'ambi i sessi e qualche gogoboy in un ambiente discotecaro, dove Somerville canta e i ragazzi ballano e flirtano.

Tra i flirt ce n'è uno fra due ragazze, che viene mostrato con sufficiente frequenza da permetterci di notarlo.
C'è anche qualche breve scena di due maschi che ballano insieme (in un caso con lo stesso Somerville), ma senza toccarsi, e un cameo rapidissimo in  cui un ragazzo carezza il braccio d'un altro.

Ebbene, cosa vuol dire tutto questo? Che messaggio ci dà?
Direi nessuno.
Il video si segnala in effetti per il tentativo di stare alla larga da qualsiasi messaggio, politico o d'altro tipo, dopo la sbornia di messaggi politici sperimentata da Somerville negli anni precedenti.
Ora, può forse darsi che Somerville abbia esagerato con il messaggio politico negli anni precedenti, ma esiste una misura in tutto, e passare dal troppo al nulla, non ha molto senso.

Un ennesimo video immeritevole di memoria...

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1992 - Erasure - "Take a chance on me". Dall'Lp: ABBA-esque.

Più che d'un video gay qui sarebbe opportuno parlare d'una semplice boutade visuale che strizza l'occhio al mercato gay, proponendo una cover in salsa elettronica d'una canzone degli Abba (uno dei complessi più amati dal mercato gay d'allora, e purtroppo anche d'oggi).
Il quartetto svedese viene infatti qui riproposto da una versione raddoppiata del duo Erasure, che interpreta le parti spettanti alle due componenti femminili degli Abba indossando un travestimento femminile alquanto sgargiante.

Ciò manda un'ulteriore strizzata d'occhio al mercato gay, in quanto era notorio che uno dei due componenti degli Erasure, Andy Bell, è gay dichiarato.
 

Nell'interpretazione non c'è nulla che si spinga più in là di così.
Certo, nel 1992 il travestitismo maschile a fini non comici non era ancora considerato tanto banale quanto lo è oggi, quindi una boutade come questa aveva ancora qualche speranza di farsi notare e di suscitare qualche chiacchiera (sempre utile, ai fini promozionali). Ma i due componenti fanno molta attenzione a non spingersi mai oltre la goliardata carnevalesca, evitando qualsiasi sottotono erotico, o comunque allusivo.
In questo modo la presenza di due uomini in abiti maschili rientra nel travestimento, e non nel travestitismo.

Per tali motivi questo video riveste oggi (2011) interesse unicamente come documento storico, non avendo da dirci nulla che nel 2011 non sia stato ampiamente già visto e rivisto.

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1992 - Madonna - "Deeper and deeper". Dall'Lp: Erotica.

Ambientato in una New York warholesca degli anni Settanta, con numerose allusioni alla Factory di Warhol e ai suoi personaggi (alcuni dei quali prendono parte al video), questo clip utilizza una volta di più qualche bacio lesbico per impepare la pietanza. Che ad essere sinceri è un  motivetto disco privo di meriti che vadano oltre l'orecchiabilità (e il genio promozionale di Madonna, che nonostante tutto riuscì a fargli scalare le classifiche).

L'omosessualità non ha alcun ruolo nello svolgimento del video, ed è semplicemente funzionale al mantenimento dell'immagine "chiacchierata" su cui Madonna ha basato il proprio successo. Tant'è vero che baci e strusciamenti lesbici di Madonna in persona appariranno nell'esecuzione dal vivo di "Why is it so hard" del "Girlie Show 1993".

Non si può peraltro negare a Madonna il merito di aver "sdoganato" le immagini omosessuali nei videoclip, banalizzandole con il vero e proprio abuso che ne ha fatto pur di far (s)parlare di sé.

Per quanto banali siano canzoni come questa, con la sua fama Madonna spostò un pochino in avanti la frontiera di quel che era possibile fare e mostrare in un clip.
Altri l'avevano in realtà preceduta su questa strada, ma nessuno aveva ancora ottenuto un tale successo mondiale, mostrando tale immagini a così tante persone.

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1992 - Madonna - "Erotica". Dall'Lp: Erotica.

Nel 1992 Madonna aveva perfettamente rodato l'uso dello scandalo a base sessuale per fare promozione alle sue canzoni, e questo videoclip sembra confezionato (fin dal titolo) con l'espressa intenzione di farsi "bannare" da Mtv, cosa che puntualmente avvenne, e che puntualmente lo rese oggetto di curiosità e interesse.

In realtà, quanto ad erotismo, il video (girato in un elegante bianco e nero spesso virato, mutuato agli spot di moda) offre molto meno di ciò che promette il titolo. C'è una spropositata esibizione di simboli e feticci sessuali (bondage, leather, fetish e compagnia cantante), e poi frustini, abitini, lingerie, mascherine eccetera eccetera.
Cosa manca? Giusto l'erotismo, se si toglie un gruppetto di fotomodelli e fotomodelle che danza in abiti succinti, ed un paio di baci lesbici fra Madonna e l'attrice Isabella Rossellini (molto casto, sulla guancia) e fra Madonna e la top model nera Naomi Campbell (della serie: "Qui non badiamo a spese").

Sia chiaro, nel 1992 le immagini di Madonna che frulla la lingua in bocca a Naomi Campbell erano ancora piuttosto "disturbanti" per escludere che questo potesse essere considerato un video per educande. Però i baci lesbici hanno sempre funzionato come "attizza-maschi" eterosessuali, e la vorace eterosessualità di Madonna (che in questo video ha inserito il suo fidanzato del momento, lo scultoreo fotomodello Tony Ward) portava lo spettatore ad escludere in partenza che questi baci potessero essere altro che ciò: un gioco per attizzare i maschi etero. Cosa da sempre accettata e praticata dalla società eterosessuale (il "lesbo-chic" non l'ho inventato io...).

Di questo video si salva, a distanza d'anni, l'esasperata cura formale con cui è stato girato, che lo rende tuttora meritevole di visione. Ma quanto ad erotismo, o scandalo, non credo riuscirebbe ormai a fare alzare il sopracciglio a chiunque abbia visto più di tre videoclip recenti in vita sua.

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1992 - Mecano - "El fallo positivo". Dall'Lp: Aidalai

È un video difficile, questo, per via del tema che ha scelto: l'Aids. Un tema che, ieri come oggi, espone ai rischi gemelli della retorica e della superficialità, entrambi inopportuni.

Non dirò che questo gruppo spagnolo sia riuscito nell'intento di evitare entrambi, perché la sua soluzione (affidarsi alla poesia e al "detto a metà", a costo d'essere ermetici) schiva un pericolo al prezzo di cadere in un altro: l'ermetismo appunto, come nei versi del testo, che a tratti si fatica a capire a cosa alludano. O come nelle immagini, gremite di simboli e metafore al punto da risultare francamente oscure.

L'intenzione era qui, è chiaro, evitare d'essere troppo brutalmente diretti, o troppo patetici, ed era una buon intenzione
Ma il risultato non è stato, purtroppo, all'altezza delle intenzioni. Il video risulta infatti complessivamente caotico e farraginoso, troppo zeppo di simboli e allusioni per niente facili da dipanare.

Sia chiaro: la cantante è bravissima, e la canzone è bella, quindi la visione del video risulta decisamente gradevole.
Ed il testo in sé riesce, pur nella sua oscurità, nell'intento di non essere né patetico né superficiale:

L'esito positivo annunciò
che il virus che naviga nell'amore
avanza a vele sciolte,
sgominando le difese nelle tue vene.
Mi hai proibito ogni passione
senza darmi alcun tipo di ragione...

Anche la scena finale, una "Pietà" d'un uomo che per raggiungere l'amato sieropositivo sfonda le barriere che costui ha costruito sulla porta per isolarsi dal mondo, è meno retorica a vedersi di quanto non appaia a raccontarsi.
Tuttavia il risultato complessivo risulta inadeguato allo sforzo (di sceneggiatura, montaggio, regia) profuso. Peccato.

Eppure in casi difficili e scottanti come quello di questa canzone nel giudizio finale conta anche l'intenzione, che è ottima. Meglio infatti eccedere in rispetto e delicatezza d'intenti che in grossolanità e faciloneria.

Penso quindi in conclusione che la visione di questo clip sia comunque interessante, non fosse altro che per le doti canore della solista, dalla voce limpida, potente e perfettamente intonata.

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1993 - Dion, Céline - "Ziggy (Un garçon pas comme les autres)". Dall'Lp: Dion chante Plamondon.

Non è possibile dar torto al personaggio della fag hag (frociarola) protagonista di questa canzone, dopo aver visto questo video.
L'io narrante, una donna eterosessuale che ha un gay come migliore amico, ha infatti messo gli occhi su un fotomodellazzo biondo dal viso d'angelo e dal corpo di diavolaccio. E davvero, chi di noi non lo concupirebbe, al posto suo, andandolo a prendere dopo una delle mille attività sportive che pratica?
Purtroppo, dopo aver raccontato del proprio amore, la cantante ammette: "sì, lo so che ama i ragazzi, / dovrei farmene una ragione / cercare di dimenticare"... Ma all'amore non si comanda... anche quando si sa che "lui non mi amerà mai".

Questa splendida interpretazione, cantata con voce limpida e con malinconico trasporto, è una cover d'un brano cantato in origine da Fabienne Thibeault nel musical Starmania addirittura nel 1978.
Questa versione della cantante franco-canadese Céline Dion, toccante ed elegantissima, ebbe un enorme successo di pubblico in tutto il mondo (esiste anche una versione in inglese sia della canzone che del videoclip) nonostante il tema "scabroso".
Diventato un piccolo "classico", questo brano è tuttora in circolazione e continua a piacere.

Certo, il video colloca questa delicata storia d'amore impossibile in un contesto totalmente diverso da quello del testo. Ascoltando le parole, infatti, è chiaro che l'io narrante è "pazza" di Ziggy perché è "un ragazzo diverso dagli altri", e sono le sue doti morali ad attrarla, non quelle fisiche, alle quali non si fa alcun cenno.
Il primo incontro è avvenuto una notte in cui era sola ed aveva bisogno di parlare a qualcuno, e Ziggy ha saputo capirla, ascoltarla ("ci siamo raccontati le nostre vite / abbiamo riso, abbiamo pianto") e tirarle su il morale. Da qui l'innamoramento, a cui contribuisce il fatto che i due escono assieme tutte le sere, andando a ballare in locali "molto, molto gai" (dove Ziggy "ha un sacco d'amici").
Ebbene, mentre il testo del 1978, cedendo a uno stereotipo diffuso in quegli anni (quello del gay "sensibile") punta sul lato emozionale di Ziggy (che lavora in un negozio di dischi e "nella sua testa ha solo la musica"), il video del 1993 registra il cambiamento di stereotipo avvenuto negli anni precedenti. Il gay è qui infatti solo il ragazzo mediamente più bello degli altri (perché prima dei suoi coetanei eterosessuali aveva iniziato a frequentare palestre e a farsi venire i muscoli) ed è il suo aspetto fisico, non quello emotivo, ad emergere con prepotenza dal filmato.

Certo, in un film è ben difficile mostrare per immagini il lato emotivo d'un personaggio, però anche concedendo questa attenuante al regista, resta il fatto che egli ha intenzionalmente deviato il fulcro dell'attenzione. Nel filmato Ziggy non è più un animo d'artista, sensibile, e gentile con le donne, quale appare nel testo della canzone; adesso è un atleta ossessionato dalle attività fisiche, e che si trova molto a proprio agio in compagnia d'altri maschiacci altrettanto atletici e sportivi. Nessun accenno invece a interessi artistici o culturali qualsivoglia.
Così, quel che nella canzone era, fra le righe, uno spirito superiore e mite, capace di far innamorare una donna per qualità assenti nell'eterosessuale medio, nel filmato diventa semplicemente un narcisista ossessionato dal suo aspetto fisico, che proprio per questo difetto caratteriale ha buon gioco nel far girare la testa alle donne più di quanto possa fare il povero eterosessuale medio.
Insomma, alla fin fine il regista ha rifiutato uno stereotipo solo per proporne un altro, più "aggiornato".

Eppure si nota nel filmato l'intenzione di compiacere il crescente pubblico gay (come dimostra una rapidissima scena di nudo integrale, di spalle, negli spogliatoi), sia pure senza rischiare di alienarsi quello etero. Cosa non facile nel 1993, quando mostrare apertamente comportamenti omosessuali non era in genere accettabile per le tv, alle quali erano destinati i videoclip musicali.
Così, in una scena in cui Ziggy viene scherzosamente immobilizzato su un tavolo da biliardo dal suo avversario, per ben due volte si vede un volto dare inizio al movimento d'avvicinamento del gesto di chi cerca un bacio, e in entrambi i casi il gesto è bruscamente interrotto da uno stacco dopo un attimo. Tanto, si sapeva che lo spettatore gay avrebbe percepito il gesto e lo avrebbe completato, com'era abituato a fare in quegli anni, mentre lo spettatore eterosessuale non lo avrebbe percepito, come era abituato fare in quegli anni, nonché oggi.

Ambiguo è anche il finale, del tutto gratuito, in cui la figura d'un bel ragazzo moro con una giacchetta dotata di cappuccio che gli copre i capelli va incontro a Ziggy, che la bacia, dopodiché si scopre che la figura s'era nel frattempo "miracolosamente" trasformata nella cantante...
Per lo spettatore gay si tratta palesemente d'un sogno ad occhi aperti (e impossibile) del personaggio femminile, per quello etero si tratta invece della conferma del fatto che un tizio tanto virile non può "veramente" non essere attratto dalle donne...
Questo finale è una vigliaccata, perché pensato per smentire con le immagini il testo, che dice chiaramente che una donna che s'innamora d'un gay non ha speranze d'essere reciprocata. Peggio ancora, qui il video sottoscrive all'ideologia per cui una "vera donna", con la costanza e la devozione, può infine "guarire" l'omosessuale dal suo "vizio".

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"Come to my window" fu il primo videoclip prodotto da Melissa Etheridge dopo che, ponendo fine ad anni di pettegolezzi e soffiate, aveva fatto coming out.

Molte attese si concentrarono quindi su questo filmato, per vedere se avrebbe contenuto allusioni esplicite al lesbismo.
Che ci furono, ma non furono troppo esplicite, chiaramente per non urtare il folto pubblico eterosessuale che seguiva la cantante, già scosso dal coming out.

Il video alterna infatti immagini della cantante che si esibisce da sola, a quelle d'una donna rinchiusa in un manicomio (si notano a un certo punto i legacci della camicia di forza), in una stanza di cui si vede solo un letto e una finestra. La donna parla e discute coi suoi fantasmi mentali (la stanza è vuota) e scarabocchia disegni infantili sui muri e sul pavimento.
Il testo invita la donna a venire alla finestra della cantante, che farà qualsiasi cosa per guadagnarsi il suo amore, senza preoccuparsi di ciò che dice e pensa la gente:

Non m'importa di cosa pensino,
non m'importa di cosa dicano:
cosa sanno di questo
amore, dopo tutto?

La canzone fu un grosso successo commerciale e vinse un premio Grammy, diventando, oltre a ciò, una canzone-mito nella comunità lesbica statunitense.
Purtroppo oggi questo video può non apparirci all'altezza di tale status mitico, sembrandoci troppo cervellotico e "velato" per i gusti del XXI secolo.
Tuttavia se è vero che, al solito, il contenuto lesbico c'è solo per chi abbia voglia di andarlo espressamente a cercare, ma non è esplicito né nelle parole della canzone né nelle immagini del clip, la tematica lesbica a ben guardare è piuttosto chiara, specie per l'anno in cui apparve il filmato. Infatti, dato che la cantante parla d'amore, e che la sola altra persona che si vede nelle immagini oltre a lei è una donna, la destinataria delle parole può essere solo quest'altra donna.

Pertanto, se con gli anni la timidezza un po' stitica delle immagini ha fatto perdere immediatezza e impatto a questo video, non si può dimenticare che nel 1994 esso appariva decisamente più "audace" di quanto possa sembrarci oggi, soprattutto perché era il primo caso in cui una celebrità nazionale statunitense toccava il tema lesbico in prima persona con uno sfacciato "Yes, I am".
Questo rimane quindi un video da vedere comunque.

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Quando ho scoperto che per questa canzone era stato creato un videoclip, cosa abbastanza rara nel 1993, sono subito corso a cercarlo, chiedendomi come avrebbe visualizzato i versi molto espliciti che descrivevano la presenza d'un fratello gay:

"Ma che bel pranzo di famiglia
c'è pure mio fratello gay
che si è truccato poco poco
- non molto più di Doris Day -
ed è trattato con rispetto
e con molta ipocrisia.
Ma lui lo sa e mi fa l'occhietto
prima di alzarsi e andare via".

L'escamotage adottato dal regista è semplice. La canzone (satira della famiglia borghese, presentata come una sorta di gabbia di matti, rottami umani, e ipocriti) mette in scena la presentazione della fidanzata dell'io narrante alla famiglia, e vede Andrea Liberovici interpretare, grazie a vari travestimenti (tutti femminili, meno quello del padre), tutti i componenti della disastrata famiglia.
Il solo che egli si guarda bene dall'interpretare è il fratello gay, interpretato invece dall'attrice che recitava la parte della fidanzata, fornita d'un paio di improbabili baffoni.
In qualche modo il regista si sente in dovere di fare un'eccezione solo per questo famigerato "fratello gay".

Come se non bastasse, per far questo contraddice espressamente l'indicazione del testo, che dice che il fratello è pesantemente truccato da donna.
Ma forse mostrarlo in immagini così come lo descriveva il testo sarebbe stato troppo, per quell'anno; dopo tutto, questo è solo il secondo video italiano, in ordine cronologico, ad avere mai messo in scena tematiche lgbt.

Resta il fatto che il fratello viene qui intabarrato in un giaccone di cuoio, cosparso di catene, e sormontato da assurde girandole piene di spunzoni. Che si tratti di una satira della moda leather/clone, è chiaro, ma per quale motivo il fratello debba essere preso per il culo per il fatto d'essere gay, non lo è affatto.

Morale della favola: anche se nel testo il fratello è presentato con simpatia, in quanto vittima di "molta ipocrisia", tale da spingerlo ad abbandonare la tavolata, nel filmato appare anch'egli, per la sua grottesca omosessualità, una parte del problema.

Molti anni avrebbero dovuto trascorrere prima che un regista italiano riuscisse a mettere in scena una persona omosessuale senza ridicolizzarla.
Paradossalmente, era stata proprio la censura, proibendo di rappresentare per immagini le persone lgbt, ad averle protette fino a questo momento dalle ridicolizzazioni nei videoclip. Ma una volta apertasi la fessura, come vedremo, la diga degli stereotipi si riversò a valle tutta in una volta.
E come se non bastasse, tutto questo accadeva mentre all'estero erano già apparse nei videoclip personaggi omosessuali non ridicolizzati.
Il buon giorno si giudica dal mattino...

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È un peccato che una canzone maramalda come questa sia stata tradotta in immagini con un video noiosetto come questo, nel quale il regista si preoccupa troppo di non oltrepassare i limiti di quanto una tv sarebbe stata disposta a trasmettere in quegli anni. Col risultato di non riuscire a dirci nulla di più di quanto poteva andar bene per una tv di quegli anni -- il che non è che sia granché entusiasmante, oggi.

Il testo è un'esaltazione esplicita - e per quegli anni francamente coraggiosa, specie per una band di neri - della bisessualità:

Tutti ti vogliono quando sei bi:
guardi le ragazzi e ti lumi i ragazzi;
tutti ti amano quando sei bi,
ma la tensione e la passione sono doppiamente amplificate.

La confusione generale è in effetti ciò che viene mostrato anche nel video, nel quale il complesso dei "Living colour" suona in un locale notturno popolato da fotomodelli e fotomodelle molto glamour, che si allacciano fra loro in vari modo: uomini con uomini, donne con uomini, uomini con donne, e donne con donne...

Tutto è terribilmente glamour, al punto che la bisessualità rischia di essere presentata e letta come una specie di moda, più che come una condizione: gli stessi orientamenti tutti-frutti presenti alla festa sono caratterizzati più da capi di vestiario che da "pericolosi" atteggiamenti o gesti (ci scappa sì qualche bacio fra persone dello stesso sesso, ma appare e scompare alla velocità della luce).
Ed ovviamente, giusto per non spaventare nessuno, le interazioni fra persone dello stesso sesso sono in massima parte fra donne, e solo in minima parte fra uomini, giusto per sfruttare un tema scandaloso puntando a non scandalizzare nessuno.
Col risultato di rischiare di non essere trasgressivi, ma solo pruriginosi, alla fine.

Per queste ragioni, di là dell'indubbio merito di caratterizzarsi come il primo videoclip che abbia affrontato "monograficamente" il tema della bisessualità, questo filmato non ha rivelato altri spunti d'interesse, ai miei occhi.
Più che altro l'ho trovato un'occasione clamorosamente sprecata.

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1993 - Tourette, Pussy - "French bitch". Dall'Lp: Pussy Tourette in Hi-Fi.

Segnalo questo video di Pussy Tourette innanzi tutto come il primo vero e proprio videoclip interpretato da una drag queen di cui io sia a conoscenza. Non essendo la mia una ricerca storica esaustiva, è possibile che ne esistano altri ancora più precoci, tuttavia è comunque significativo notare come entro questa data la performance di una drag queen fosse ormai pienamente accettabile in un videoclip.

Certo, nello spettacolo il travestitismo ha una tradizione millenaria, quindi non stupisce trovarlo sul palcoscenico, tuttavia la differenza è che qui la drag non è più vestita da donna per far ridere (come nel caso già visto dei Queen) o per stupire (come nel caso di David Bowie): qui la performance punta a convincerci del fatto che chi canta è credibile come donna, senza al tempo stesso farci dimenticare che è in realtà un uomo (del resto, la voce è maschile). Siamo di fronte a un tipico gioco di gender-fucking ("mandare a puttane i generi sessuali") tipico della sensibilità gay.

In secondo luogo, il video stesso presenta una sceneggiatura a connotati omosessuali. Pussy Tourette s'esibisce in un café chantant i cui clienti sono abbigliati in modo da richiamare gli anni Venti, nel quale una donna vestita da uomo arriva al braccio della cantante, che da parte sua è un uomo vestito da donna.
Quando l'uomo vede la "cagna francese" dai grandi occhi e un corpo da fotomodella, che ha deciso di "grattarsi un prurito" (il ritornello della "cagna" continua a invitare in barbaro fran-glese: "Vous voulez la mia passera, s'il-vous-plait?"), egli si lascia sedurre senza resistenza, e Tourette aggredisce la coppia, prendendo a schiaffi soprattutto la femme, ma anche un po' la butch, per concludere con una scena in cui Tourette e la femme sono tornate complicemente assieme (ed è la donna francese, nell'ultima scena, a indossare i vestiti maschili).
Dunque, sapendo che la cantante è in realtà un uomo, l'eterosessualità trionfa; tuttavia, trattandosi d'un uomo vestito da donna, è un'eterosessualità alquanto speciale a trionfare...

Inoltre, il personaggio interpretato dalla cantante è una donna biologica, mentre un verso lascia pensare che la "cagna francese" sia in realtà un transessuale, dato che cerca di fregarsi l'uomo della cantante "con una figa che s'è portata dietro dall'estero".
E come se non bastasse, il testo ci fa sapere che le prime attenzioni della cagna s'erano rivolte in realtà alla cantante ("Dio solo sa perché volesse scopare con me") che peraltro non s'era fatta scrupolo di accontentarla (ed "è ok se se la prende un po' con me"). Solo dopo questa conquista la "cagna" ha voluto completare l'opera con l'uomo della cantante... Da qui l'ira, e gli sberloni che volano per la seconda parte del video.
Dopodiché  il video ci mostra che la cantante se l'è presa non per aver perso l'uomo, bensì per aver perso la "cagna"...

Che casino! Ce n'è a sufficienza per deliziare e divertire ad oltranza gli ascoltatori gay, e per far venire un gran mal di testa quelli etero... Che purtroppo sono la maggioranza, il che spiega perché Pussy Tourette, nonostante abbia avuto un certo successo nel mondo gay statunitense, non sia mai diventata famosa. Immeritatamente, secondo me, dato che la sua musica e le sue canzoni (che si scrive da sola) sono molti più raffinate e divertenti di quelle di altre drag, come RuPaul, che però sono riuscite a "sfondare".

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